Д. Д. Нигматулин

ЧТО ТАКОЕ КОПИРОВАНИЕ

Что такое копирование – точное сосматривание или, говоря языком простым,

срисовывание? Или форма изучения и постижения рисовального изобразительного ремесла?

Не раз приходилось слышать, копируя в Эрмитаже, эту фразу: «Как здорово Вы

срисовали». Эта фраза слегка коробила. Копия — это не бездумное срисовывание, хотя и

такие

копии

приходилось

видеть.

Конечно,

элемент срисовывания присутствует

в

копировании. Но мне хотелось бы поделиться открытием, которое я сделал для себя.

Здесь я оговорюсь: нельзя рассматривать копирование отдельно от рисунка с натуры и

от живописи. Все это должно работать вместе. Изучение чужого картинного пространства

должно помогать воспитанию и формированию своего изобразительного пространства. Но

вернемся к копии.

Глядя на некоторые работы старых мастеров, таких как Рембрандт, Терборх, Веронезе,

Ян Стен, Ян Давидс де Хем, Рейсдал и Ван Гойен, я почувствовал, что мастер как бы ведет

нас по изобразительному пространству холста. От детали к детали, от сцены к сцене

художник соблюдает последовательность в раскрытии своего замысла. Это подводит нас к

композиционному центру холста, к его художественно-пластическому образу. Так что же

такое пластика? Выразить или объяснить пластику без понятия тона невозможно. Владение

тоном, его организация позволяют художнику управлять эмоциональным восприятием

холста. Лица, взгляды, жесты, детали и планы пейзажа, предметы натюрморта – все это

связано тонально-пластическим и цветовым единством. Здесь я оговорюсь, что зритель

должен быть готов почувствовать это движение в холсте. Это нужно воспитывать. Это усилие

и труд. Музеи для художника, особенно для художника-копииста – это своего рода

мастерская, где он должен усиленно работать и уметь прочитывать художественно-

пластический образ в работах старых мастеров. Некоторые на первый взгляд простые сцены

библейских и мифологических сюжетов таят в себе загадку, которая скрыта в нашем

подсознании.

Возьмем, например, работу Веронезе.

На примере картины Веронезе «Оплакивание Христа» я постараюсь объяснить свое

понимание тона и то, как он помогает раскрыть пластический образ.

С какого бы места вы ни начали исследовать холст – с лика Христа или с его руки,

безжизненно опустившейся вдоль тела, или со склонившейся над ним головы Марии, вы

будете вновь и вновь непременно возвращаться к руке ангела, держащей в своей руку

Христа. Пальцы ангела вросли в пальцы Христа. Что он этим хотел нам сказать? Почему и

зачем так выстроил холст Веронезе?

Этот пластический ход, помогает

раскрыть сам образ, а через него – идею

произведения, где идея передачи жизни от Христа к Ангелу – главенствующая. Это

достигается через жесты, лица, направления взглядов, кисти рук. Сама сцена погружена в

тревожный

мрак

большой

трагедии.

Художник

достигает

в

картине

предельной

выразительности образа общечеловеческой утраты и скорби. Но почему руки? Не лик

Христа, не скорбящие лица и не сама трагедия смерти Христа?

Живая рука ангела поддерживает безжизненную руку Христа. Кисть Христа, пробитая

гвоздем – символ человеческого страдания. Их руки переплетены, как корни молодого,

полного жизни дерева и старого, дающего ему жизнь ценой своей смерти. Другой своей

рукой ангел уже продолжает идею Христа, протягивает ее сквозь тьму к человечеству, к

людям. Таким образом художник раскрыл идейно-художественный замысел картины – идею

жизни и смерти, ее трагедию, великое возрождение и путь к бессмертию – «cмертию смерть

поправ».

Веронезе удивительно нарисовал этот композиционно-смысловой узел. Цветовое

решение подводит означенный жест к кульминации картины – к идее соприкосновения

жизни и смерти, где жизнь и идея Христа перешла через Его мертвенно-бледную руку к

живой, сильной руке ангела, – и тем самым подчеркивает бессмертие Христа. Это центр

композиции и ее идейно-пластического замысла, и решена она пластическим языком.

Полотна Рембрандта как нельзя лучше выстроены именно по закону пластики.

Возьмем такую картину, как «Жертвоприношение Авраама». Пластическое движение

начинается от поднятой руки Ангела к голове старика, потом к его руке, схватившей сына за

лицо и обнажившей горло. Дальше взгляд скользит по белому беспомощному телу.

Приподнятое колено перебивает движение тела и уводит наш взгляд опять к руке ангела,

схватившей руку старика, из которой падает нож.

Стальное лезвие ножа контрастирует с беззащитным белым телом сына Авраама. Этот

контраст имеет сильное эмоциональное воздействие на нас как на зрителей, мы будто

испытываем облегчение. Белое тело агнца, сына человеческого, остается невредимым.

Так и слово Божие или молитва могут остановить безумство людское.

Движение в холсте начинается от поднятой руки ангела и идет вниз к центру, к

искаженному ужасом лицу Авраама — центру композиции.

Мы видим безумное лицо старика, к которому постепенно начинает возвращаться

разум. Показана самая страшная сцена, которая могла бы быть – убиение отцом сына. И этот

библейский сюжет от начала и до самого конца раскрыт гениальным голландским

художником исключительно пластическим языком. Чтобы добиться движения в холсте,

художник использует знание, умение и чувство тона. Паузы между руками рассчитаны как

гениальное музыкальное произведение. Жесты выверены предельно точно, руки, выражение

лиц раскрывают эту сцену так эмоционально, по-человечески, что это становится понятным

даже самому простому зрителю, не оставляя его равнодушным к происходящему.

Это

говорит о нем как о хорошем сценаристе, психологе, знающем жизнь – и знающем, как это

выразить языком искусства. Многие холсты Рембрандта оказывают

очень чувственное

эмоциональное воздействие на зрителя.

Поэтому некоторые из них подвергались нападению безумцев: «Даная» в Эрмитаже,

«Ночной дозор» в Амстердаме.

Художник буквально разрывает свое сердце и бросает его зрителю. Я не знаю

живописца, выражавшего свои чувства более ярко, чем Рембрандт.

В завершение разговора о Рембрандте мне бы хотелось сказать еще об одной

небольшой его картине — «Молодая женщина, примеряющая серьги».

На маленьком холсте 30 х 40 см изображен глубокий эмоциональный мир женщины,

смотрящей на себя в зеркало. Если ваши чувства достаточно развиты, вы почувствуете этот

взгляд, направленный в зеркало. Этот взгляд узнаваем и знаком. Художник изобразил свою

жену Саскию примеряющую украшение, и собирательный образ женщины, которая

наслаждается этим моментом. В простой бытовой сцене столько тепла, детского кокетства,

восхищения и проявления исконно женской любви к украшениям! Художник, показывает

слабость женщины как ее силу и превосходство над мужчинами в одном взгляде. Взгляд,

направленный в зеркало, чувствуется физиологически. В этом вся гениальность Рембрандта.

Простой портрет можно превратить в картину, которая несет в себе целый мир

аллюзий. А взгляд передан точным ощущением и пониманием тона.

Рембрандт — непревзойденный мастер тона.

Пластический

язык,

разработанный

художниками

этого

времени,

раскрывает

удивительные возможности в познании изобразительного искусства.

Искусcтво

получило возможность изображать мир человеческого бытия языком

пластических образов. И сыграло свою важную роль в развитии новых направлений.

Не зря Паола Волкова в своей передаче «Мост над бездной» напоминает, что

Кандинский назвал Рембрандта первым абстракционистом.

Здесь я повторюсь. Копиисту необходимо изучать не только технико-технологические

стороны

ремесла копирования, рисунка и живописи, но и познавать сложный мир

пластических образов, переданный виртуозным владением тона.

Верно считанный пластический смысл произведения поможет ему вложить этот

глубокий смысл и в свою работу.

В заключение хотелось бы привести еще один пример из другой эпохи и сказать

буквально пару слов о работе Дега «Балетная школа».

Дега много копировал в Лувре. И эта его фраза «Я перебил бы всех художников, что

пишут с натуры» говорит, что он много и целенаправленно работал в мастерской над

композицией и ее сложной выразительностью, над пластикой цвета и тона. Он заставлял

натурщиц позировать в нелепых позах часами, доводя их до обморока, чтобы добиться

желаемого результата. Его работы внесли в мир искусства новое дыхание, новое цветовое

видение пространства картины.

Движение в его многообразии стало основой поиска и работ Дега. Ему он подчиняет

яркие, почти открытые цвета и, конечно же, все тот же тон. Самой интересной работой из

серии «Танцовщицы», на мой взгляд, является именно эта картина.

В ней сталкиваются и разлетаются его хороводы бабочек, то улетающие вдаль на своих

цветных крылышках из холста, то спускающиеся сверху, перебирая крыльями и ножками,

исчезая в тени кулис. То вдруг возникающие на переднем плане, разнося и сталкивая цвет, в

нужных пропорциях и с нужной силой, по холсту. Создавая иллюзию бабочек, радостно

порхающих на лугу.

Радость, красота движения этих молодых и красивых женщин, так похожих на бабочек

весной, не может не заразить вас этой энергией. Жесты, позы изучены и показаны мастером

виртуозно, цвет, безусловно, доминирует, но как гениально он использует тон в достижении

своего художественного образа — полета цветных бабочек!

Что же такое тон? Не освещенность, не окрашенность предмета, а именно пластика,

движение. Мы приближаем или удаляем нужные нам детали и формы при помощи тона,

заставляем их двигаться в нужном направлении. Если быть еще лаконичней, то фраза

«ближе-дальше» относится именно к пластическим искусствам, и живопись к ним

принадлежит.

Я не хотел бы настаивать на том, что это единственный и правильный ход для

постижения искусства старых мастеров и для развития навыков копииста, но он не раз мне

помогал,

выводя

из

сложных

ситуаций

в

процессе

копирования,

и

позволил

совершенствовать свое видение и понимание пластического пространства художников

прежних эпох, проясняя его от работы к работе.

Это пространство есть у всех больших серьезных мастеров, независимо от того, пишут

ли они многофигурную жанровую композицию, натюрморт, пейзаж или портрет.

Понимание закономерностей пластического изображения, в частности тона, является

одной из главных составляющих в работе над копией, понятие, видение и чувство тона

позволяют художнику-копиисту постичь изобразительный мир старых мастеров.

Художественно-пластический образ – это авторский замысел художника, при котором

холст организован таким образом, что взгляд зрителя двигается по холсту от детали к детали

или от узла к узлу, достигая композиционного центра. Каждая деталь или жест тесно связаны

с пластической идеей и являются ее неразрывной частью.