МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

«ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ» П.ЗАЛАРИ

Методическая разработка

«Развитие ансамблевой техники у учащихся

ДШИ»

подготовила

преподаватель по классу баяна

Пржерадская С.И.

2019 год

Уроки инструментального ансамбля у баянистов являются обязательным

предметом

начиная

с

1

класса.

Педагогическую

ценность

этого

вида

музицирования трудно переоценить. Играть вдвоем всегда интересней. Партия

каждого участника ансамбля не так сложна, как если бы это же произведение

было написано для одного исполнителя. Игра в ансамбле развивает умение

слушать и слышать, расширяет кругозор учащихся, раздвигает репертуарные

границы, знакомит их не только с оригинальными произведениями для ансамбля,

но и с переложениями симфонической, оперной, эстрадной и джазовой музыки.

К

первым

шагам

в

овладении

«ансамблевой

техникой»

можно

отнести

следующие разделы обучения: особенности ведения меха; способы достижения

синхронности при взятии и снятии звука; равновесие звучания в удвоениях и

аккордах,

разделенных

между

партнерами;

согласование

приемов

звукоизвлечения;

передача

голоса

(пассажа)

от

партнера

к

партнеру;

соразмерность

в

сочетании

нескольких

голосов,

исполняемых

разными

партнерами; соблюдение общности ритмического пульса, звуковой динамики.

Умение слушать не только то, что сам играешь, а одновременно и то, что

играет

партнер,

а

правильнее

сказать

—

общее

звучание

обеих

партий,

сливающихся

в

общее

органичное

целое,

—

основа

совме стного

исполнительства. Каждый партнер должен помнить о силе и тембре звучания

разных

регистров

инструмента

(басы

всегда

громче

и

«сочнее»

звучат,

чем

высокие звуки). Если ученик сидит, «уткнувшись» в клавиатуру, и внимательно

следит

только

за

игрой

своих

пальцев,

вряд

ли

он

хорошо

слышит

общее

звучание. Следовательно, одним из условий ансамблевой игры является хорошая

выученность

текста

и

техническая

свобода

исполнения

своей

партии.

Партнерами по ансамблю ученики становятся только в процессе совместного

труда.

Разделение нотного материала на две части облегчает исполнение, ведь

часть всегда легче сыграть, чем целое, но, в то же время, и усложняет его.

Казалось бы, простая вещь — начать вместе играть. Но взять два звука вместе не

так

просто,

это

требует

большой

тренировки

и

взаимопонимания.

Нужно

обьяснить ученикам, что один из них, как дирижер, легким движением кисти или

кивком

головы

должен

показать

начало

взятия

звука.

Можно

обоим

одновременно

взять

дыхание.

Это

делает

начало

исполнения

естественным,

снимает напряжение.

Также важно и синхронное окончание, «снятие», звука. Неодновременное

снятие аккорда портит паузу, звучит некрасиво. Синхронность вступления и

снятия

звука

достигается

значительно

легче,

если

партнеры

правильно

чувствуют темп еще до начала игры. Музыка начинается уже в ауфтакте и даже

раньше, когда ученики волевым усилием сосредотачивают свое внимание на

выполнении художественной задачи.

Очень часто синхронность в игре нарушается из-за отсутствия у учащихся

навыков переворачивать страницы и отсчитывать длинные паузы. Надо во время

занятий партнерам договариваться, кому в каком месте удобнее перевернуть

страницу, чтобы не пострадало общее звучание. Это совсем не просто, и этому

надо учиться, не пренебрегая специальной тренировкой. Что же касается пауз, то

их удобно подтекстовывать. Но самый верный способ — знать звучащую у

партнера

музыку.

Тогда

пауза

перестает

быть

томительным

ожиданием

и

заполняется живым музыкальным чувством.

Партнерам важно не просто вместе взять аккорд, необходимо добиться

равновесия

в

его

звучании.

Еще

сложнее

сыграть

параллельно

звучащую

мелодию или переход пассажа от одного партнера к другому. Здесь нужно

договориться об одинаковых приемах звукоизвлечения. Слаженность совместной

игры в отдельном приеме и в общем замысле — особая сфера работы, присущая

ансамблевым

классам.

Технические

затруднения

возникают

не

только

в

материале каждой партии, но и при элементарной координации исполнения

участников дуэта.

Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля: единого

понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса. Единое

чувство темпа и единый ритмический пульс появляются лишь при органичности

музыкального сопереживания. В ансамбле надо уметь держать установленный

темп

и

при

необходимости

легко

переключаться

на

новый.

Поэтому

при

разучивании

произведения,

после

того

как

ученики

вместе

с

педагогом

определят

темп

для

исполнения,

перед

началом

игры

можно

просчитать

в

соответствующем темпе «пустой такт». В дальнейшем это становится излишним

— достаточно в ставшем уже привычном темпе дать только движение затакта.

Ансамбль

требует

от

участников

уверенного,

безупречного

ритма;

в

ансамбле ритм должен быть коллективным. Каждому музыканту присуще свое

ощущение ритма — взаимопонимание и согласие достигаются далеко не сразу.

Работа

по

воспитанию

коллективного

ритма

начинается

с

устранения

индивидуальных

недостатков

в

исполнении

учеников.

Наиболее

распространенными

недостатками

учащихся

являются

отсутствие

четкости

ритма и его устойчивости. Ритмические неточности чаще всего встречаются в

пунктирном ритме; при смене шестнадцатых на тридцать вторые и сочетании их

с триолями; в условиях полиритмии; при изменении темпа и т. д. Исправляя

ритмические неточности у «провинившегося» ученика, надо привлечь внимание

и его товарища.

Отсутствие

темповой

и

ритмической

устойчивости

у

учеников

часто

связано с тенденцией к ускорению. Обычно это случается при нарастании силы

звука, когда эмоциональное возбуждение учащает ритмический пульс, в быстрых

пассажах, а также в сложных для исполнения местах. Тенденция к ускорению

может сказаться и в постепенном общем изменении темпа пьесы (это легко

установить, если сравнить темп коды с темпом начала пьесы). Если в дуэте оба

ученика склонны ускорять, то это может привести к срыву. Но и недостаток

становится

очевидным

для

исполнителей,

что,

конечно,

облегчает

работу

педагога. Если же этот недостаток присущ только одному из учеников, то второй

оказывается помощником и союзником педагога.

Чтобы

воспитать

коллективный

ритм,

необходимо

как

можно

больше

проходить

разнохарактерных

произведений.

Следует

подчеркнуть,

что

допустимая

на

первом

этапе

занятий

некоторая

схематизация

ритма

в

дальнейшем неприемлема: ритм должен быть живым, гибким, выразительным.

Следует также сказать и о динамике исполнения. Динамика (изменение

силы,

громкости

звучания)

является

одним

из

самых

действенных

выразительных средств. Умелое использование динамики помогает раскрыть

общий

характер

музыки,

ее

эмоциональное

содержание

и

показать

конструктивные

особенности

формы

произведения.

Важное

значение

приобретает

динамика

в

сфере

фразировки

—

по-разному

поставленные

логические акценты кардинально меняют смысл музыкального произведения.

Наиболее распространенный недостаток ученического исполнительства —

динамическое однообразие: все играется по существу

m

f

и f. Надо объяснить

учащимся, что динамический диапазон совместного исполнения должен быть

шире,

чем

при

сольной

игре,

так

как

наличие

нескольких

инструментов

позволяет полней использовать клавиатуру, построить более объемные, плотные,

тяжелые аккорды, использовать для достижения яркого динамического эффекта

равномерное распределение силы нескольких человек.

Важно

добиться,

чтобы

ученик

ясно

представлял,

что

между forte

и

fortissimo

есть

звуковая

градация.

Рассказав

об

общем

динамическом

плане

произведения,

нужно

определить

его

кульминацию

и

посоветовать fortissimo

играть всегда «с запасом», а не «на пределе».

Когда

ученики

получат

удовлетворение

от

совместно

выполненной

художественной

работы,

радость

от

общего

порыва

—

можно

считать,

что

занятия в классе ансамбля дали важный положительный результат.