Обществознание 6 класс

Л.Н Боголюбов.

Приложение.

Автор: Шнайдер В.А.

Учитель истории

КГБОУ «Лесосибирский

кадетский корпус » .

Борис Куст

одиев

Художники картин

Александр Дейне

ка

Титов Констан

тин

Николай

Николаевич

Ге

Василий

Перов

Фёд

ор

Решетников

Валентин

Сер

ов

Сорока

Григорий

Василий

Сурик

ов

Павел

Федотов

Татьяна Яблонская

Биография художника.

Борис

Кустодиев

родился

7 марта

1878 года

в Астрахани. Когда ему было девять лет, в город

привезли

выставку

художников-передвижников.

Мальчика

настолько

впечатлила

живопись,

что

он твердо

решил

научиться

рисовать

так же

искусно.

Кустодиев

много

работал,

писал

с натуры, особенно увлекался портретами.

В 1905-м — начал увлекаться графикой, работал

карикатуристом

в

журналах.

Проиллюстрировал «Шинель Николая

Гоголя

изданную в 1905 году. В это же время Кустодиев

начал

работать

в Мариинском

театре

помощником

декоратора.В театре

Кустодиева

ценили —

у него

было

множество

заказов.

Кустодиев

создал

декорации

к операм .

В 1909 году Кустодиев получил звание Академика

живописи.

Особенности

творчества

художника

Бориса

Кустодиева:

любил

жанр

портрета-

картины, когда характер героя раскрывается через

окружающий

его

пейзаж,

интерьер

или

даже

служащую фоном жанровую сцену; не жалел для

бытовых сцен декоративности и зрелищности; с

большой симпатией писал про жизнь провинции.

«Земская школа в Московской Руси»

Описание картины.

Картина

Бориса

Кустодиева

«Земская

школа

в

Московской

Руси»

1907

года

наполнена

художественным и историческим смыслом.

На

картине

изображена

земская

школа,

а

точнее

одно

помещение

в

тусклом

свете.

Школа

представляла собой избу, так как от жилого дома школу отличить довольно сложно. Мы видим

стол и скамейки, деревянную бочку с водой и множество кувшинов. Почти у самого потолка есть

полки с множеством книг. А на одной из лавок стоит кувшин с едой. За столом сидят дети, их

пятеро. Еще двое стоят на коленях с книгами. Есть также учитель «в летах» с седыми волосами и

бородой.

В этом мы видим историю такую, как она есть. Ведь на Руси один учитель учил класс из

небольшого (по современным меркам) количества детей – от 6 до 12. Все обучающиеся дети -

мальчики.

И,

действительно,

на

Руси

грамоте

обучались

только

мальчики.

Почему

двое

из

учеников стоят на коленях? Они наказаны.

Любопытно, что Кустодиев изобразил сидевшего учителя именно под образами красного угла.

Вероятно, художник хотел передать святость учебного процесса или величие учителя и его

деятельности. Ведь грамота считалась очень важным делом. Образование высоко ценилось и

расценивалось как дар.

Картина

имеет

и

особенный

символ,

который

мы

можем

видеть

как

автограф.

Кустодиев

использовал много зеленого цвета, как и большинстве своих картин.

Биография художника

Александр Дейнека родился 8 мая 1899 года в Курске. Его

семья не была богатой, отец работал железнодорожником.

Тем не менее, он смог получить неплохое образование для

своего

времени.

В

периоде

с

1915

по

1917

учился

в

художественном училище в Харькове.

Во время наступления белой армии принимает участие в

боях за Курск. С 1919-1920 служит в рядах Красной армии в

качестве художественного руководителя в политотделе. В

конце

революции

отправляется

в

Москву,

где

получает

высшее художественное образование.

Во

время

Великой

Отечественной

Войны

создает

агитационные

плакаты

для

поддержания

боевого

духа

в

трудный для советской армии 1942 год.

Дейнека является ярким представителем социалистического

реализма. Его картины не редко посвящены революционной

тематике

и

деятельности

советских

организаций.

В

тридцатых годах его задевает тема авиации. Появляются

такие картины, как «Молодые Летчики» и «Через полюс в

Америку».

Во

время

войны

тематика

меняется

на

историческую, военную если точнее. Советский художник

делает

свой

вклад

в

победу

над

нацизмом.

При

этом

картины

отличаются

большим

драматизм

и

пафосом.

Особенно это заметно в одной из наиболее известных его

произведений «Оборона Севастополя».

Однако среди его картин находят свое место трагедии. Так

желая

показать

разрушительные

последствия

Великой

войны, Дейнека рисует полотно «Сгоревшая деревня

».

Александр

Дейнека

и

сам

был

неравнодушен

к

авиации.

Самолетам

посвящены

несколько

работ

художника. А еще он часто ездил в Крым, любил Севастополь и Черное море. После одной такой поездки и

родилась картина

«

Будущие летчики

»

.Аэроплан, медленно снижающийся на горизонте, объединяет небо,

море и троих ребят на берегу. Старший мальчик что- то рассказывает голым малышам, похоже, что он

описывает, что и как в данный момент делает пилот гидроплана для его удачной посадки. С огромным

вниманием смотрят ребята помладше на

воздушное судно и слушают рассказчика.

Теплое летнее Черное море, еле видны белые гребешки на небольших волнах, легкий южный ветерок.

Почти у самого горизонта на воде виднеется еще один гидроплан, чуть дальше какое-то белое морское

судно. Справа виден скалистый берег.

Небо от лазурного, до белого и бело-голубого, целая палитра цветов, высокое летнее солнечное в перистых

облаках.

Ребята сидят на набережной, на самой верхней ступеньке лестницы, ведущей к воде. Они увлечены и

сосредоточены, но по сжавшимся фигуркам видно, что они только что купались в море, а сейчас греются и

сушатся, слушая рассказ старшего товарища и наблюдая за маневрами гидроплана .

Для

художника

важна

каждая

деталь

в

картине.

Малые

детали,

одна

дополняющая

другую

создает

гармонию и целостность. Мы не видим лиц героев работы, они повернуты к нам спиной. По мнению

искусствоведов, художник таким маневром

написал собирательный образ советской молодежи.

А самолет

—

как мечтания и стремления людей к высокому светлому будущему.

Описание картины

Биография художни

ка

Родился

в

1922

году

в селе

Мышкино

Можайского

района

Московской

области. Учился в Московском областном художественном училище памяти

1905 года.

Участвовал в Великой Отечественной войне.. Начал свой военный путь с 12

августа

1941

года курсантом

Рязанского

пехотного

училища

имени

Ворошилова..

Победная

роспись

на

поверженном Рейхстаге.

Дважды

был

ранен. В 1969 году принят в члены Союза художников СССР.

Основные

произведения:

картины

«1905 год»,

«Красная площадь»,

«Крестный ход в Москве в 1941 году», «Молебен за победу Русского воинства

у

храма

Сергия Радонежского в

1941

году»,

мозаика

в

Д.

К.

им.

М.

И. Калинина (Пермь),

мозаичная

стела

«В.

И. Ленин»

(Москва,

развилка Каширского и Варшавского шоссе),

роспись

трапезной

Богоявленского

Кафедрального

Патриаршего

собора

(Елоховский собор),

памятная

доска-

флорентийская мозаика В. Л. Дуров

(театр

зверей Дурова в

Москве).

Мозаичное

панно

«Бауман»

(МВТУ им.

Баумана

в

Москве).

Тематические циклы художника: «Цена доверия», «Портрет современника»,

«Москва

и

москвичи»,

«Валаам»,

«Карелия»,

«Крым»,

«Соловки»,

«Кисловодск», «Малая родина».

В 1993 году выполнил парадный портрет короля Саудовской Аравии Фахда по

заказу посла королевства.

По заказу посла Республики Чад написал портрет президента Идриса Деби. В

1995

году

портреты

наследного

принца Японии и

его

невесты — Нарухито и Масако.

Автор

портретов маршала

Георгия Жукова (1996)

и

Игоря Талькова (1990-е

годы)..

Описание картины

Титов Константин Александрович «Семья, купающая ребенка». Картина написана

в 1947 году.

На картине изображена семья. Три поколения. Люди соскучились по мирной

жизни.

Мать принесла ребенка в комнату, чтобы искупать. Это желание помочь слабому,

беззащитному,

оказать

ему

поддержку,

потребность

быть

полезным.

Такие

отношения делают семью более гармоничной. От картины веет теплом и уютом.

Дружно жить семьёй любо-дорого, Это маленькая идиллия семьи, выражающаяся

в повседневных мелочах.

Художник

передает

тонкие

семейные

отношения,

душевную

теплоту,

дружественность

чувств.

Все

те

уникальные

черты

семьи,

которые

ценятся

превыше всего, дарят чувство защищенности.

Это

–

всё

то,

что

люди

переживают

вместе

внутри

дома

–

радость

и

горе,

благополучие или проблемы и трудности.

Биография художника

Николай Николаевич Ге — сын воронежского помещика, потомка французского

эмигранта,

сбежавшего

в

Россию

в

1789

году,

от

кошмара

французской

революции. Он вырос в деревне, первоначальное образование получил в частном

пансионе, после которого, в возрасте 9 лет, поступил в гимназию города Киева.

Он учился живописи у известного профессора Петра Басина.. Его выпускная

работа «Саул у Аэндорской волшебницы» принесла высокую награду, позволив

отправиться за казённый счёт в заграничную поездку. Возможно, виной тому

стали французские корни, но заграница оказала на живописца большое влияние.

Особенно впечатлили мастера очередной парижский Салон и мастерство Поля

Делароша (Paul Delaroche). Удивительные места, Средиземноморское побережье,

красочные

картины

быта

подвигли

его

на

создание

множества

удивительно

прозрачных

пейзажей.

Самые известные картины.

Николая Ге Картины Николая Николаевича Ге можно увидеть во многих мировых

музейных

коллекциях.

Наиболее известные

из его работ:

«Дубы и платаны.

Фраскати»

(1855)

—

поражает

проработкой

деталей,

видных

даже

на

репродукции.

Классическая

работа,в

которой

виден

незаурядный

талант

пейзажиста. «Мост в Вико» (1858) — один из реалистичных пейзажей, созданных

автором во время его заграничных поездок. Критики отмечают лёгкость мазков и

наполнение сцены солнечным светом. «Портрет супруги с детьми» (1861-1866) —

к теме семьи автор обращается много раз. В этой работе особенно заметно

влияние

кумира

художника

—

Карла

Брюллова.

«Масса-Каррара.

Погрузка

мрамора» (1868) — создана по эскизам заграничных поездок. Показывает умение

автора видеть красоту в будничном тяжёлом труде. «Пётр I допрашивает царевича

Алексея Петровича в Петергофе» (1871) — одна из значительных исторических

работ.

Образ

мятежного

царевича

спустя

60

лет

послужил

актёру

Николаю

Черкасову при создании персонажа фильма «Пётр Первый» 1937 года. «Бюст

Льва Толстого» (1890) — редкий пример скульптуры, созданной художником.

Петр1 допрашивает царевича Алексея Петровича в Петерго

фе

Картину “Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе” написал художник в 1871

году. Ее идея родилась к экспозиции “передвижников”, к приближающемуся юбилею Петра I.

Однако была приобретена прямо из мастерской Павлом Третьяковым еще до выставки.

Интерьер петергофского Монплезира, Петр I и его сын. Государь сидит в багровом бархатном

кресле, Алексей Петрович стоит по другой угол стола.

Исторически

царевич,

отвергая

жестокий

стиль

реформ

отца,

сбежал

в

Европу,

откуда

был

возвращен в статусе захватчика власти всея Руси. С ведома отца помещен в Петропавловскую

крепость, где скончался от истязаний. Лица персонажей на полотне спокойны, но души их бушуют.

Вероятно уже состоялся жаркий разговор, еще более убедивший Петра I в сыновней измене. Об этом

могут свидетельствовать бумаги на столе. Задерживая вынесение приговора, отец всматривается в

лицо царевича, надеясь встретить там раскаяние. А тот молча потупил глаза, уверенный, что

смертный приговор ему не грозит.

Очень интересна композиция светотени, четко разделяющая героев. Царевича озаряет много более

мертвенный свет, что говорит об обреченности его души. Фигура отца, напротив, преисполнена

жизненной

энергии.

“Траурная”

черно-красная

скатерть

уже

определила

развязку

этой

драмы,

разграничив героев сюжета.

Шахматный

пол

трактуют

либо

как

“регулярность”

эпохи

правления

Петра

I,

либо

как

иносказательную шахматную партию, проигранную царевичем.

Сводящее с ума напряжение между героями картины – попытка художника показать Петра I не

палачом, но отцом, не без боли ставящим государственные интересы выше собственных

.

Описание картины

Николай Николаевич Ге был мастером портретов и религиозно-исторических полотен. Идея написать Пушкина

пришла к нему после успеха другой его исторической работы – «Петр I допрашивает царевича Алексея в

Петергофе».

Чтобы досконально отобразить быт эпохи Пушкина, художнику пришлось провести серьезную исследовательскую

работу. Он отправился в Михайловское, побывал в доме поэта и даже обращался к его современницам – сестрам

Керн. Благодаря этому визиту ему удалось воссоздать обстановку дома с удивительной точностью.Кроме этого, Ге

не устраивали существующие портреты Пушкина – они казались ему недостоверными. Поэтому для написания

картины он использовал посмертную маску Александра Сергеевича.

В основу сюжета Николай Ге положил историю о том, как во время ссылки в Михайловском Пушкина навестил

его лицейский товарищ, Иван Пущин. Друг привез поэту запрещенную тогда комедию Грибоедова «Горе от ума».

Александр Сергеевич захотел немедленно прочесть произведение – именно этот момент решил впоследствии

воскресить художник.

На полотне изображена комната с довольно скромной обстановкой: камин, письменный стол, заваленный

бумагами, ширма и несколько стульев. Единственное, что оживляет интерьер – стопки книг, лежащие повсюду. В

центре комнаты стоит главный герой. В его руках листки с пьесой, которую он читает вслух. В кресле перед ним –

друг Иван Пущин, а позади стола с рукоделием сидит любимая няня Арина Родионовна. Их лица обращены к

поэту, оба слушают Пушкина с чрезвычайным вниманием.

Полотно пронизано светом ясного и морозного зимнего утра, а в комнате, благодаря зажженному камину, царит

атмосфера тепла и уюта.

Несмотря на то, что Ге удалось передать настроение того дня, картина не понравилась критикам. Она была

написана не так тщательно и достоверно, как знаменитая «Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе».

Ценители отмечали, что художнику гораздо лучше удается задумка полотна и словесное описание, чем само

исполнение.

Биография художника

Художник Василий Перов родился 21 декабря 1833 (2

января

1834

Тобольске,

в

семье

барона

Георгия

Криденера.. В 1853 году Василий приехал в Москву и

начал

обучение

в

училище

ваяния,

зодчества

и

живописи. За годы обучения в училище он работает

очень много.

С

1862

года

он

едет

во

Францию

и

Германию,

увлекшись

уличной

местной

жизнью,

пишет

следующие картины – «Савояр», «Продавец статуэток»,

«Шарманщик». Возвратившись в 1864 году на родину,

он вливается в ритм Москвы и создает новые шедевры.

Картины

Василия

Григорьевича

Перова

данного

периода особенно интересны и критичны. Среди них

выделяют

«Монастырская

трапеза»,

«Проводы

покойника», «Приезд гувернантки в купеческий дом»,

«Птицелов»

Художник

иногда

пишет

портреты.

Он

писал портреты Бессонова, Борисовского, Писемского,

Рубинштейнова, Погодина, Камынина и Достоевского.

Василий Григорьевич попробовал себя в роли писателя.

Он издавался в журнале «Пчела», описывая некоторые

ситуации из жизни и воспоминания.

Василия

Перова

называли

«подлинным

певцом

скорби». Это прозвище закрепилось за ним из-за того,

что постоянными персонажами картин художника были

уставшие

крестьяне,

замерзшие,

голодные

или

оплакивающие покойных родственников.

Описание картины

В центре композиции три охотника, очень разные, но каждый из них по своему интересен и содержателен.

Внимание двоих слушателей привлек страстный и увлекательный рассказ старшего, опытного охотника. В

его позе, мимике, глазах святая вера в "истинность" истории, которую он решил поведать своим

товарищам. Слушатели же относятся к рассказу по-разному. Молодой охотник жадно впитывает каждое

слово своего опытного товарища, третий участник - мужчина средних лет - настроен скептически, каждое

слово рассказчика он подвергает сомнению.

Если внимательно рассмотреть предложенную автором композицию, то идея становится ясной. Художник

показал некий жизненный цикл: молодость, жадно познающая мир, впитывающая его с верой в чудо; затем

наступает зрелость и опыт, когда ничего уже на веру не принимается и подвергается сомнению; зрелость

сменяется старостью, живущую воспоминаниями, постоянно впадающую в идеализацию прошлого.

За простой и ясной работой глубокое содержание, философское, непростое. Критики отмечали убогость и

напряжение, которые отличают окружающий пейзаж. Тревожное небо, летящие птицы, блеклая трава - все

говорит об осени, засыпании, предчувствии зимы. Почему же художник выбрал столь мрачный пейзаж для

обрамления своей картины? Скорее всего, для автора было важно сконцентрировать внимание зрителя на

центральных фигурах картины, фон не должен отвлекать от главного в работе.

Герои картины - реальные люди, друзья художника, послужившие прототипами охотников. Как известно,

и сам автор любил охоту. Поэтому каждая деталь картины написана со знанием дела. В левом нижнем углу

картины мы видим восхитительный охотничий натюрморт, который, с одной стороны органично

вписывается в общую композицию, с другой стороны, вполне может быть выделен в отдельную работу,

написанную с недюжинным мастерством и реалисти

чностью.

Описание картины. Приезд институтки к слепому.

Тонкое произведение, над которым Перов работал с большой любовью . к сожалению оно осталось

неоконченным. В нем художник показал всю силу своего таланта в постижении и передаче сложных

душевных

переживаний.

Лицо

его

искажено.

Она - молодая, полная сил, мечтаний о счастье, о будущем - подавлена горечью несчастья. Любовью,

глубокой сердечностью и теплотой полно её сердце. Слёзы душат её. Она упала на колени перед

отцом, который бесконечно рад встрече. тяжёлым недугом, но в нем столько светится доброты и

ласки. Огромную роль играет композиция с выдвинутыми в центр полотна фигурами - дочери и,

придвинувшегося к ней на самый край кресла, отца. Как выразительны и многозначительны их позы

и жесты! Какая внутренняя сила заключена в худой, жилистой, огрубевшей руке слепого, так жадно и

трепетно охватившего голову дочери. Кажется, что рука дрожит в судорожном волнении, и вместе с

тем

столько

нежности

и

любви

выражает

она.

Немногочисленные аксессуары картины также говорят о драматизме происходящего. И скромное

платье институтки, и мягкий халат отца, и глубокое кресло, к которому он прикован на всю жизнь, и

пальто и шляпа, поспешно брошенные дочерью на приделанный к креслу откидной столик, и

наконец, упавшая на пол шелковая перчатка - все это с предельным лаконизмом раскрывает тему

картины.

Здесь Перов выступил как блестящий колорист, усовершенствовавший то, что было найдено им

ранее.

Колорит картины, выдержанный и сдержанной благородной тональности, хорошо гармонирует с

эмоциональным строем картины. Как отголоски чувств и переживаний звучат тончайшие оттенки

золотистой охры и пурпурных красок на общем фоне тёплых, глубоких коричневых и серых тонов.

Светлое жёлтое платье с белой пелериной институтки и темный пурпур халата составляют основной

аккорд картины. Он переливается различными оттенками в складках одежды, переходит в созвучные

цвета окружающих предметов и замирает на общем фоне бедной, но озаренной теплом комнаты.

В эту благородную мягкую гамму врываются удары то ярко-голубого - лента, брошенная вместе с

платьем и шляпой, - то нежно-сиреневого - перчатка на полу, - акцентируя тем самым наше внимание

на

этих

деталях,

имеющих

немаловажное

смысловое

значение.

Контрастом

выглядят

они

здесь

среди

потухших

замирающих

красок

обветшалой

обстановки.

Молодость институтки представляется контрастом отживающему свой век с

тарик

Описание картины. Тройка

Центром изображения являются трое детей, они везут большую бочку с водой. Мальчики и девочка идут

по зимней Московской дороге, видна гололедица, снег, ветер. На улице уже наступают сумерки, а от ветра

их тонкая и сношенная одежда развевается. При расплескивании вода из бочки становится сосульками,

это говорит о сильном морозе.

Дети очень измотаны, практически отчаяние читается на их личиках, сзади кто-то помогает втолкнуть

поклажу на пригорок. Также на полотне присутствует собака, она бежит чуть впереди. Тона картины

темные, здесь нет никакой надежды, даже снег выглядит грязным, мрачным. Это сделано намеренно,

поскольку позволило показать неправильность такой тяжелой работы для детей.

По названию можно сделать вывод о сравнении детей с работой для лошадей, их нелегкая судьба

полностью раскрывается в изображении. Автор привлек внимание к труду в России в те годы. Даже

название картины вызывает горечь, а ведь

тогда в

Москве такая адская работа часто доставалась

мастеровым. Пренебрежительное отношение к детям приводило к их тяжелому бедному существованию.

Биография художника

Решетников

Фёдор

Павлович

–

советский

художник. Роился 15 (28) июля 1906 года в селе

Сурско-Лидтовском

в

Украине,

Днепропетровской области. Ныне, в этом селе

находится

музей

художника.

В

три

года

стал

сиротой.

Учился

в

Москве

в

институте

изобразительных искусств с 1929 по 1934 год.В

1933

году,

будучи

ещё

молодым

человеком,

участвовал

в

знаменитой

арктической

экспедиции на пароходе «Челюскин», где вместе

со всеми дрейфовал на льдине. Пережив много

трудностей и лишений, был спасён в 1934 году.

В

годы

войны

занимался

агитацией,

рисовал

плакаты

и

картины

на

эту

тему.

Решетников

преподавал

в

Московском

государственном

художественном институте им. Сурикова (с 1953

по

1957

годы)

и

Московском

педагогическом

институте им. Ленина (с 1956 по 1962 годы).

В 1974 году получил звание Народный художник

СССР.

Дважды

получал

Сталинскую

премию.

Самые

известные

картины

-

"Прибыл

на

каникулы", "Опять двойка", "За мир", "Достали

языка",

"Мальчишки",

"Генералиссимус

Советского

Союза

Сталин

И.

В.",

"Портрет

лётчика А. Ляпидевского".

Описание картины

Сюжет картины Решетникова «Опять двойка обрел большую популярность благодаря приближенности к реальной жизни

учащихся. В свое время она выполняла функцию образца бытовой советской живописи, а репродукции ее украшали страницы

советских учеников. Датируется полотно 1952 годом. Основными персонажами являются члены одной семьи – мать и ее трое

детей. На заднем фоне привлекают внимание две детали – часы-ходики с одной стороны двери и отрывной календарь с другой.

Последняя деталь присутствует на еще одной работе художника, которая принесла ему славу – «Прибыл на каникулы». Основа

полотна – быт обычной среднестатистической семьи. Подобная домашняя обстановка была характерна для большинства жилых

помещений тех времен. Главную роль художник отдал десятилетнему мальчику-подростку. По внешнему виду персонажа

видно, что сегодня был не совсем удачный день для него. Возможно, он долгое время катался на коньках или играл с друзьями

на улице, не особо торопясь домой после уроков.. Одет он в расстегнутое зимнее пальто с оторванной пуговицей, наверное, оно

защищало его не только от холода, но и от падений и ударов в играх со сверстниками. В одной руке школьник держит портфель,

такое же потрепанный и перевязанный, как и пальто. Можно предположить, что функциональность портфеля была несколько

расширена за счет использования его в качестве санок или мяча. Из портфеля едва заметно выглядывают коньки. О весело

проведенном времени на улице свидетельствуют щеки, что покрылись румянцем от мороза, покрасневшие уши и растрепанные

волосы.О переживаниях по поводу низкой оценки и общем душевном состоянии школьника можно судить по его потупившим

глазам, опустившей голове и огорченном виде. Наверное, он предусматривает дальнейшее развитие ситуации и пытается

вызвать сожаление у близких. Судя по обстановке, двойка не первая, а очередная, поэтому сценарий поведения мальчику

знаком.Но, разве учеба – это единственная забота в его переполненной яркими красками, увлекательной молодой жизни. В

подростковом возрасте школа и уроки уходят далеко из первого плана и иногда о них можно забыть. Наверное, это двойка стала

причиной тому, что мальчик так задержался из школы, ведь гораздо приятнее поиграть во дворе, чем опять выслушивать

недовольство матери и насмешки младших. Единственным в этом доме встречает ученика с радостью собака. Молодой хозяин

ей очевидно небезразличен. Белый с рыжеватыми окрасами песик очень уж хочет поиграть, упирается на грудь лапками,

повиливает хвостом, смотрит преданными глазами и пытается лизнуть виновника. Огорченная мать сидит, сложа руки. Она

выглядит уставшей. Возможно, ей только-только удалось присесть, оставив домашние дела. Грустный вид школьника дает

понять ей, что в школе опять проблемы. Мать не в силах заставить сына хорошо учиться, поэтому взирает на него полными

тоски и упрека глазами. Все в комнате застыли в ожидании, тишину прерывает только тиканье маятника часов, сопение

мальчика

и

едва

слышные

мамины

вздохи.

Сестра

школьника

прямая

противоположность

двоечнику.

Аккуратная,

с

заплетенными в косички волосами и красным шарфиком на шее, она выкладывает на обеденный стол, застеленный скатертью,

учебники. Наверное, готовится выполнять домашнее задание. В ее взгляде улавливается упрек. Она осуждает брата за то, что

тот постоянно приносит матери огорчения .Возле женщины крутится еще один ее сын, младший, который возможно даже рад,

что так сложилась ситуация. Не только ему одному достанется сегодня за проказы и детское баловство. Он с улыбкой

поглядывает на старшего брата, который и стал причиной семейного совета.Картина Федора Решетникова «Опять двойка»

воплощает реалии того времени, изображая обычную бытовую сцену. Ведь сколько школьников во все времена отдавали

предпочтение не учебе, а детским и подростковым весельям

.

Биография художник

а

Валентин

Серов

родился

в Петербурге

в 1865 году. Его отец Александр Серов был

музыкальным

критиком

и композитором,

мать

Валентина

Серова

(Бергман) —

пианисткой

и первой

женщиной-

композитором в России.

Валентин Александрович писал портреты

и пейзажи,

рисовал

иллюстрации

и выпускал

журнал

«Мир

искусства»,

преподавал

живопись

и состоял

в совете

Третьяковской

галереи.

Учителем

Серова

стал

молодой Илья

Репин.

Самой

значительной своей работой Серов считал

картину «Девушка, освещенная солнцем».

Самой значительной своей работой Серов

считал

картину

«Девушка,

освещенная

солнцем».

Его

натурщицей

стала

двоюродная

сестра

художника

Мария

Симонович.

Художник

давно

мечтал

написать портрет в саду, где играют солнце

и тень

листвы.

В

качестве

декораций

к

портрету художник выбрал бурную зелень

в усадьбе Домотканово. Яркий солнечный

свет,

проникая

сквозь

густую

листву,

заставляет

девушку

облокотиться

на

дерево,

стараясь

укрыться

от

солнца.

Насыщенность

цветов

передаёт

тепло

летнего дня, ароматов большого сада, игру

солнечного света.

Девушка, освещенная солнцем

Моделью

для

этой

искренней

и

нежной

картины

Валентин

Серов

выбрал

свою

двоюродную сестру — Марию Симонович.

Её наивные детские черты лица покорили

художника и побудили написать ее портрет.

В качестве декораций к портрету художник

выбрал

бурную

зелень

в

усадьбе

Домотканово.

Насыщенность

цветов

передаёт

тепло

летнего

дня,

ароматов

большого сада, игру солнечного света. И в

тени раскидистых деревьев, видимо, устав

от

жары,

присела

отдохнуть

на

скамейку.Яркий солнечный свет, проникая

сквозь густую листву, заставляет девушку

облокотиться на дерево, стараясь укрыться

от солнца.

Марии

приходилось

сидеть

неподвижно

долгими

часами,

сохраняя

на

лице

одинаковое

выражение.

Как

она

сказала:

«Мне нужно было все время думать о чем-

то хорошем, чтобы не нарушить принятое

выражение,

которое

было

важным

условием

для

выполнения

этой

трудной

задачи».Эта картина заслужила множество

восторженных откликов. Эта картина стала

одной из самых любимых для Валентина

Серова.

Г. В. Сорока родился в семье крепостного крестьянина. Восемнадцати лет он

был взят в дом хозяина (имение "Островки"), помещика Н. П. Милюкова. Вскоре

обнаружил

способности

к

рисованию

и

стал

одним

из

учеников

А.

Г.

Венецианова. Становление Сороки как художника было невероятно быстрым.

Его

чудом

сохранившиеся

портретные

рисунки

1842

г.

говорят

об

умении

передать сходство и о явных навыках в рисовании; картина "Гумно" (1843) уже

достаточно профессиональна, а "Кабинет дома в "Островках", имении Н. П.

Милюкова" (1844) - одно из самых поэтичных изображений интерьера во всей

русской живописи. Творческий путь Сороки продолжался не более десяти лет, и

нам

достоверно

известно

лишь

около

20

его

работ,

а

датировка

их

очень

приблизительна.. Наибольших успехов Сорока добился в пейзажной живописи.

"Флигель в "Островках"..." (первая половина 1840-х) прямо перекликается с

более поздними пейзажами русских художников конца XIX - начала XX в.

Четыре

пейзажа,

исполненные

в

селе

Спасском

Тамбовской

губернии

(принадлежавшем родственникам Милюковых), - "Вид на плотину", "Рыбаки",

"Вид на озеро Молдино", "Вид в имении Спасское" (все ок. 1847) - поражают

эпическим размахом восприятия и изображения природы. Еще три пейзажа,

написанные

дома,

в

"Островках",

-

"Вид

на

озеро

Молдино

в

усадьбе

"Островки"", "Часовня в парке" и "Вид в "Островках"" (все конца 1840-х), -

напротив, отличаются камерным, подчеркнуто интимным характером. Кроме

"Кабинета дома в "Островках", имении Н. П. Милюкова" он написал еще одну

интерьерную

картину,

"Отражение

в

зеркале"

(1840-е),

-

сложную

по

пространственному решению и безупречную по исполнению. В портретной же

живописи Сорока был заметно скован - тут нужна была более основательная

школа, чем та, которую он успел получить. Тем не менее его портрет Е. Н.

Милюковой

(конец

1840-х)

способен

соперничать

со

многими

портретами

своего времени, а автопортрет, написанный тогда же, трогает драматизмом,

скрытым

под

внешней

сдержанностью.

Судьба Сороки действительно была крайне драматична. Попытки добиться

вольной окончились безрезультатно. Успевший поверить в свои возможности и

ощутить

себя

творцом,

художник

продолжал

зависеть

от

помещичьего

произвола, а смерть Венецианова (1847) отняла у него не только наставника, но

и заступника в тяжело сложившихся отношениях с хозяином. Он зарабатывал

себе на жизнь писанием портретов и икон для местных цер

квей.

Биография художника

Картина «Рыбаки» изображает конец дня, когда в природе царит умиротворенность, вечерняя тишина

опускается на землю.

Солнце розовым светом, просвечивая домотканые рубашки на рыбаках, скользит по водной глади.

Ровная

горизонталь

берега

и

зеркальные

отражения

в

воде

усиливают

ощущение

покоя.

Поражаешься богатству цветовых и световых переходов, чувству элегической умиротворенности,

запечатленной

дворовым

человеком

Григорием

Васильевым,

по

прозвищу

Сорока,

учеником

Венецианова.

"Рыбаки"

—

самый

проникновенный

пейзаж

Сороки,

удивительно

точный

и

в

то

же

время

обобщенный образ русской природы.

Картина наполнена тишиной и покоем летнего вечера, когда дневной жар уже спадает, а ночной туман

еще не поднимается над водой.

Воздух прозрачен, закатное солнце освещает все чуть розовым светом.

Мальчик удит рыбу, по зеркальной глади воды скользит долбленая лодка, которой правит другой

подросток, и в почти неподвижной реке отражается небо, слегка освещенное лучами вечернего солнца.

Описание картины

Биография художни

ка

Василий

Суриков

–

русский

художник.

Родился

12

января 1848 года в Красноярске.

В детстве жил очень бедно, особенно после смерти отца

от туберкулёза, когда ему было всего 11 лет. Окончив два

класса церковно-приходской школы, Суриков поступает

в

уездное

училище.

Именно

учась

в

нем,

Василий

начинает рисовать. После окончания учёбы пошёл на

работу, так как денег на продолжение обучения у семьи

не было. Случайно его рисунки увидел сам губернатор,

который помог поступить в Академию художеств города

Санкт-Петербург, где Суриков проучился с 1869 по 1875

год. В 1877 году переехал в Москву и прожил там до

конца жизни.

25

января

1878

года

женился

на

Елизавете

Шаре,

с

которой у него появились две дочки – Елена и Ольга. В

1888

году

его

жена

умерла,

что

было

для

Сурикова

страшном ударом – он даже не занимался живописью

некоторое время.

Много

путешествовал,

побывал

в

Италии,

Франции,

Испании, Крыму и других местах. В 1910 году в родном

Красноярске помог открыть рисовальную школу.

Самые главные картины: «Боярыня Морозова», «Утро

стрелецкой казни», «Переход Суворова через Альпы»,

«Взятие

снежного

городка»,

«Покорение

Сибири

Ермаком

Тимофеевичем»,

«Меншиков

в

Берёзове»,

«Степан

Разин»,

«Посещение

царевной

женского

монастыря», «Портрет дочери».

Описание картины

«

Степан Разин». Огромное 6-метровое полотно – последняя историческая картина художника

Сурикова – изображает эпизод из жизни любимого героя народных былин и песен. Написана

виртуозно, но без сложного драматизма.

Степан Разин – донской казак и атаман, поднявший на Волге в 1670 г. крестьянское восстание,

которое переросло в мощную крестьянскую войну, продолжавшуюся примерно год – с весны

1670

по

апрель

1671г.г.

На картине изображена ладья, плывущая по широкой и просторной глади реки. Она подчинена

диагональной композиции – плывет из правого нижнего угла в левый верхний. Посредине

ладьи на коврах возлежит сам атаман, погруженный в нелегкую думу, лицо его серьезно, поза

выдает напряжение и бдительность.

Вокруг него – казаки: кто на веслах, кто спит, кто выпивает, кто играет на музыкальном

инструменте. Условно они разделены на 2 части: те, что на корме, веселы и беззаботны и

олицетворяют молодые деньки и казачью вольницу; на носу – гребцы, объединенные общим

делом, напряженные и уставшие. Поднятые в данный момент вверх весла в сочетании с

натянутым

парусом

придают

ладье

символическое

сходство

с

птицей

в

полете.

Фигура Разина расположена в центре картины, поэтому привлекает к себе главное внимание

зрителя; ничто не отвлекает от нее, вокруг только вода и небо. Атмосфера утренней тишины

передана

за

счет

белой

дымки

над

водой

и

золотистого

отблеска

солнечного

света,

покрывающего

гладь

реки.

Картина

Сурикова

выдержана

в

темноватых

тонах

и

создает

впечатление

наполненной

тревогой.

Актуальна времени идейная суть картины – судьба людей, выступивших против власти. Это не

призыв к действиям и не буйный протест, а размышления о судьбе народа в переломные

исторические эпохи – на примере допетровского времени.

Тропинин

Василий

Андреевич

(1776—1857),

живописец.

Родился

30

марта

1776

г.

в

селе

Карпове

Новгородской

губернии.

Крепостной

графа

Б.

К.

Миниха,

затем

графа

А.

Моркова. Выдающиеся способности Тропинина, проявленные

ещё в детстве, побудили Моркова определить юношу в В 1804 г.

Тропинин

представил

на

конкурс

свою

первую

картину

«Мальчик с умершей птичкой». Художнику не удалось окончить

курс обучения — по прихоти помещика он был отозван из

Петербурга. До 1821 г. жил на Украине. Получив свободу только

в 47 лет (1823 г.), переехал в Москву, где трудился до конца

жизни.

Тропинин

прекрасно

усвоил

наследие

русских

портретистов

XVIII

в.,

но

при

этом

сумел

выработать

неповторимую

живописную

манеру.

С

большой

теплотой

и

любовью

он

раскрывает

внутренний

мир

изображаемых

им

людей. Среди лучших работ — портреты жены (1809 г.), И. И. и

Н. И. Морковых (1813 г.), сына (1818 г.), императора Николая I

(1825 г.), Н. М. Карамзина, А. С. Пушкина (1827 г.), Я. В. Гоголя,

композитора П. П. Булахова (1827 г.), В. А. Зубовой (1834 г.), К.

П.

Брюллова

(1836

г.),

автопортрет

(1846

г.).

Их

отличает

нежный колорит, чёткость объёмов. В картинах «Кружевница»

(1823 г.), «Золотошвейка», «Гитарист», этюде «Старик-нищий»

Тропинин

создал

выразительные,

привлекающие

душевной

красотой образы людей из народа. Живописец несколько раз

добивался звания члена Академии художеств, но получил его

лишь в 1824 г. за портрет медальера Лебрехта, отличающийся

гармоничностью

и

законченностью

исполнения.

Всего

Тропинин

оставил

более

3

тыс.

работ,

оказав

значительное

влияние на портретную живопись московской школы.

Биография художника

Картина была написана на холсте в 1839 году. Изображен на

ней по всей видимости знаменитый гитарист и музыковед

Владимир

Иванович Морков.

Василий

Тропинин

был

крепостным, и в какой-то момент своей жизни оказался в

числе прочих крепостных в семье Моркова.

Владимир

Иванович

заметил

таланты

крепостного

и

определил

его

в

Академию

художеств

в

качестве

вольнослушателя. Этот

благородный

жест

Владимира Моркова сыграл

в

жизни

художника

очень

большую роль, позволив ему обучаться и стать впоследствии

великим

художником.Картина,

изображает

молодого

гитариста. Он одет в простую домашнюю одежду, которая

была

присуща

многим

не бедным

жителям

Москвы

того

времени. Домашний халат, накинутый поверх расстегнутой

белой рубашки, растрепанные кудри, непринужденная поза

гитариста – все это подчеркивает неофициальный характер

выступления

и

придает

портрету

непринужденность

и

романтичные

нотки.По

наклону

головы

юноши

можно

понять, что он наигрывает какую- то легкую мелодию, время

от времени отвлекаясь и поворачиваясь к слушателям. По его

тонкой

батистовой

рубашке,

изящной

фигуре

и

пальцам

можно

понять,

что

он

имеет

отношение

к

Московской

богеме.

Картина имела большой успех, возможно по причине того,

что гитара в те годы пользовалась популярностью, а может и

потому,

что

мастер

изображал

свои

полотна

без какой-

либо вычурности, с присущей его мягкостью, правдивостью

и простотой.

Описание картины

Павел Федотов родился 4 июля 1815 года в Москве. Его

отец, Андрей Федотов, воевал в Русско-турецкой войне

при Екатерине

II

за что

получил

в награду

дворянский чин. В 1826 году 11-летнего Павла Федотова

отдали в Московский кадетский корпус. К этому времени

он начал сам сочинять песни и романсы. Здесь же в

кадетском

корпусе

Федотов

впервые

почувствовал

серьёзную тягу к живописи. Ему вдруг захотелось не

просто

рисовать,

а

посвятить

этому

делу

всю

жизнь.

В 1834 году Федотов поступил на вечерние рисовальные

курсы

при Императорской

Академии

художеств.

О

поставил

перед

собою

цель

–

быть

настоящим

живописцем, и уверенно к ней шёл для этого и начал

обучение

в

Академии

художеств.

В

Академии

Павла

обучали

батальной

живописи,

но

она

молодому

художнику была совсем не по душе. Приходя домой, он

принимался

за

свои

любимые

сюжеты

из

обыденной

жизни.

В

этом

действительно

была

его

сила,

ведь

Федотов

отличался

наблюдательностью

и

остроумием,

тонко подмечал в людях разных сословий их типичные

черты, знал

обстоятельства их жизни.

Даже увидевший его

наброски

баснописец

И.

А.

Крылов

написал

Павлу

Андреевичу письмо, в котором советовал остановиться

всё-таки

на

жанровой

живописи.

Послушав

совета,

Федотов оставил занятия в Академии и стал рисовать то,

что ему хотелось.

Биография художника

К 1847 году Федотов написал по уже имевшимся у него наброскам картину «Свежий кавалер», или

«Утро чиновника, получившего первый крест».

Это было первое сюжетное полотно Федотова, ради его написания он освоил технику маслом.

На картине

изображен

бедный

чиновник,

который

хвастается

перед

кухаркой

своим

первым

орденом. Он выглядит комично в нелепой и тесной

обстановке:

на нем затертый до дыр халат

вместо римской тоги и папильотки в волосах, похожие на лавровый венок.

На полу валяются бутылки и объедки, под лавкой спит товарищ, который не смог дойти домой

после пирушки.

Кухарка смотрит на непутевого барина снисходительно, с насмешкой и подает ему единственные

сапоги.

Описание картины

Биография художницы

Татьяна

Ниловна

Яблонская

была

известной

советской и украинской художницей. Она родилась

в Смоленске 24 февраля 1917 года. Отец девочки Н.

А. Яблонский также был художником.

В 1928 году семья Яблонских переехала в Одессу,

спустя два года — в Каменец-Подольский, а затем

— в Луганск. Там Татьяна в 1933 году окончила

семилетнюю

школу,

а

после

стала

студенткой

Киевского

художественного

техникума.

В

1935—

1941

годах

девушка

продолжила

обучаться

мастерству живописца в институте.

Сразу

после

окончания

высшего

учебного

заведения

Яблонская

организовала

свою

первую

выставку,

но

с

наступлением

войны

о

карьере

художницы пришлось на время забыть. Вплоть до

1944 года Татьяна работала в колхозе, находящемся

в Саратовской области.

После

войны

художнице

удалось

вернуться

на

Украину.

Там

она

стала

преподавать

в

родном

институте и вступила в Союз художников.

В

1949

году

Яблонская

написала

свой

первый

шедевр

—

картину

«Хлеб»,

удостоившуюся

Сталинской премии. В 1951 году ту же награду

получила вторая ее картина — «Весна». В 1954 году

была

создана

одна

из

известнейших

картин

художницы — «Утро».

Яблонская

принимала

участие

во

многих

отечественных и зарубежных выст

авках.

Описание картины

Картина «Хлеб», написанная известной советской художницей Татьяной Яблонской в 1949

году является одной из самых популярных её картин. Художница на картине изобразила период

советской

сельской

жизни

через

несколько

лет

после

окончания

Великой

Отечественной

войны. Несмотря на трудности периода восстановления, настроение картины радостное и

позитивное.

Окружающий пейзаж — лес вдалеке и небольшой кусочек неба занимает совсем небольшую

часть полотна: они не отвлекают от основного действия, изображенного на картине — работу

колхозников по уборке урожая. Главным героем картины является, конечно же, зерно, хлеб —

им усыпано все вокруг.

На первом плане художница изобразила двух женщин, которые собирают золотую россыпь

зёрен хлеба в мешки. На их лицах радостное выражение лица, они счастливы и радуются

тёплому погожему дню, хорошей полезной работе, прекрасному богатому урожаю. Одна из

женщин в зелёной юбке, рубашке и платке, завязывает готовый наполненный мешок, а другая

закатывает рукава, видимо, мешающие работать.

Немного

позади

изображены

ещё

женщины,

которые

также

наполняют

мешки

зерном

и

мужчины, укладывающие мешки в машины. Все заняты одним общим делом, заражены одним

общим позитивным настроем, так что это чувствует любой зритель. Видно, что такой труд для

общей пользы не

в тягость, а наоборот, заряжает

дополнительной энергией и отличным

настроением.

Татьяна Яблонская очень правдиво изобразила на холсте радостную жизнь, которая объединяет

всех. Радость эта идёт изнутри: от единения ради общего дела, от удовлетворения нужным

трудом, красоты, молодости и здоровья. Картина «Хлеб» это песня, восхваляющая народный

труд, воодушевляющая на подвиги ради счастья всего народа. После написания этой картины

Яблонская приобрела настоящую славу и получила Сталинскую премию

.