Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«Детская школа искусств г. Покров»

Методическая разработка

на тему:

«Искусство исполнительства на классической гитаре».

Подготовила:

Преподаватель высшей категории

по классу гитары, домры

Ковтун Светлана Викторовна.

г. Покров

2021г.

Содержание:

Введение………………………………………………………………...3

1.

История происхождения гитары………………..……………....6

2.

Гитарное исполнительство……………………………………..11

3.

Приемы игры на гитаре и их особенности…………………....16

4.

Развитие художественного мышления………………………. 20

5.

Гитара в ансамбле. …………………..………………………….23

6. Личный опыт музыкально – педагогической деятельности....27

Заключение……………….………………………………………….....31

Список используемой литературы……………………………………33

2

Введение.

Музыка – это сфера, где с помощью звука можно выразить свои чувства и

впечатления. Дети любят себя выражать творчески: танцы, музыка, песни,

рисование.

Вопрос оптимального возраста для начала обучения в музыкальной

школе или школе искусств сугубо индивидуальный. Одни дети уже с трех

летнего

возраста

начинают

проявлять

интерес

к

музыкальным

инструментам, а другие ребята и в 7 лет не могут определить, что им

интересно. Также следует учитывать, что на уроках в ДШИ или ДМШ

потребуется внимание и усидчивость, на что способен не каждый ребенок.

Решение нужно принимать индивидуально, так как каждый ребенок

уникален. Нужно учитывать его способности, желание, темпы развития,

готовность к занятиям и даже состояние здоровья.

Подготовительный класс в ДШИ дает педагогу возможность

спокойно, не торопясь развивать те качества, навыки, которые необходимы

для последующих занятий. Учащиеся успевают узнать больше о музыке и

могут выучить обширный репертуар, по сравнению с другими учениками,

которые

начали

заниматься

в

более

позднем

возрасте

без

подготовительного класса.

Опираясь на свой многолетний опыт учить на гитаре можно детей,

начиная с шести лет, то есть с дошкольного возраста. Да, споры о возрасте

ведутся давно. Правы и сторонники раннего развития – ведь маленький

ребенок впитывает любую доступную информацию как губка.

Противники раннего обучения тоже приводят убедительные

аргументы, так как происходят у детей эмоциональные перегрузки и

психологическая неготовность малышей к системным занятиям.

«Дети всегда остаются детьми», - меняется только время, а с ними и

некоторые приоритеты. Многое в музыкальном образовании зависит от

родителей. Раньше, когда они приводили своих детей в музыкальную

школу, то знали, что обучение в ней для ребенка будет приоритетным.

Сегодня же родители хотят учить своих детей всему и понемногу.

Обучение поставлено так, что каждое образовательное учреждение

пытается занять ребенка по максимуму.

Бывает, что ученик долго сопротивляется и не хочет серьезно заниматься

музыкой.

На

наших

занятиях

дети

получают

необычные

эмоции,

связанные с образом, которые в обычной жизни им не встречались. Ребята

начинают глубже чувствовать и осознавать окружающее. Для меня, как

3

для преподавателя очень важно побудить у своих учеников интерес и

любовь к музыке и к инструменту.

Как хорошо известно, в ДШИ и ДМШ существуют «приемные

экзамены», на которых якобы проверяют наличие у ребенка музыкального

ритма, слуха и памяти. Хочется предостеречь о бесполезности таких

испытаний

для

определения

перспективы

успешных

занятий

инструментальной игрой-на гитаре особенно. По своему опыту могу

сказать, что только через несколько месяцев занятий педагог имеет право

на оценку музыкальных особенностей ученика и перспектив его обучения,

которые нередко раскрываются в процессе живого творческого общения с

музыкой. И очень часто бывает, что по истечении нескольких лет

выясняется, что признанный в самом начале «неритмичным» ребенком, он

заслуживает в свой адрес лестные слова от авторитетных музыкантов или

получает звание лауреата на конкурсе.

Приходя в музыкальную школу, ребенок попадает в м и р музыки.

Педагог должен быть чутким и умелым его проводником на протяжении

всех лет обучения. Преподаватель должен развить его слух, помочь ему

раскрывать художественные образы, понимать музыку, а не только

научить играть на инструменте.

Мелодия – это «душа музыки». Она раньше всего воспринимается в

музыке,

поэтому

работе

над

мелодией

приходится

уделять

самое

пристальное внимание.

Здесь первостепенное значение имеет развитие внутреннего слуха ученика.

В репертуар ученика необходимо вводить самые разные мелодии –

песенные, танцевальные. Особое внимание следует уделять работе над

певучими мелодиями. Они учат «петь» на инструменте, знакомят с

важнейшими

элементами

выразительности,

вошедшими

в

инструментальную музыку и являются лучшим материалом для развития

навыков игры «legato».

В каждом ребенке есть творческое зернышко, которое мы,

преподаватели обязаны развить. Любой ребенок талантлив и мы в ответе

за каждого маленького человека, пришедшего к нам учиться. Пусть ученик

не

станет

профессиональным

музыкантом,

но.

если

он

будет

интеллектуально и творчески развитым, востребованным в современном

мире, успешно социализированным, значит главной цели мы достигли в

своей работе.

Основным содержанием и важнейшей задачей любого обучения

является

освоение

системы

знаний

и

соответствующих

навыков.

4

Современная педагогика рассматривает обучение как комплекс основных

функций: образовательной, воспитательной, развивающей.

Среди них необходимо выделить: вопросы эстетики посадки

гитариста, достижение яркой динамики, свободы игрового аппарата.

Совершенствования системного музыкального образования – не

только задача педагогов, но и актуальная проблема фундаментальной

педагогической науки, динамично меняющейся в условиях современной

музыкальной жизни. Одна из основных задач педагога – музыканта,

научить ученика слышать, ибо умение слышать – основа мастерства. Часто

ученик просто развлекает себя общим звучанием, не вслушиваясь и не

заостряя внимание на том, что является основной задачей на данном этапе.

Цель данных методических рекомендаций - раскрыть специфику

работы преподавателя в классе гитары. Цель педагога – научить

теоретически обосновывать содержание музыкального произведения с

характеристикой музыкальных образов и практическим их звуковым

воплощением. Цель обусловила постановку следующих задач:

Задачи:

1. Изучить литературу по педагогике и методике работы над качеством

звука в классе гитары.

2. Развить способность формировать и изменять психоэмоциональный

настрой в зависимости от музыкального образа, а отсюда и принцип

звукоизвлечения.

3.Обобщить различные способы работы в процессе обучения игре на

инструменте, в работе над музыкальным произведением вслушиваться в

«исполняемое».

4. В процессе работы добиваться выполнения поставленных перед ними

задач.

Своим ученикам я не боюсь давать сложные музыкальные

произведения, чтобы развивать их способности по максимуму. Для

здоровья человека музыка влияет положительно, особенно на маленьких

детей.

Свою задачу как преподавателя я вижу в воспитании и развития

души, пробуждения чувства прекрасного в детях. Я уверена, что занятия на

любом инструменте развивают ребенка не только эмоционально, но и

интеллектуально.

Музыка

помогает

развить

интеллект

ребенка,

следовательно, поможет ему в любой профессии, которую он выберет в

дальнейшем.

5

1.

История происхождения гитары.

Слово «гитара» почти у каждого человека вызывает романтические

воспоминания и связано с чем-то светлым и приятным. Но немногие

задумываются о том, что история такого знакомого и, казалось бы,

обыденного инструмента, уходит глубоко в прошедшие тысячелетия.

История возникновения гитары начинается около 2 – 2,5 тыс. лет до нашей

эры. Этими периодами датируются найденные при раскопках древних

цивилизаций предки современной гитары:

1.

Кинорра в Месопотамии;

2.

Цитра и Нефер в Египте;

3.

Ситар в Индии;

4.

Кифара в Риме и Греции.

Происхождение слова «гитара» обязано слиянию двух слов: «тар»

(от

древнеперсидского

«струна»)

и

«сангита»

(от

санскритского

«музыка»). По другим источникам, это слово имеет происхождение от

«кутур»

(от

санскритского

«четырехструнный»).

По

мере

распространенности этого музыкального инструмента из Азии в Европу,

название «гитара» претерпевало много изменений, а вот окончательное

название было отображено в 18 веке в средневековой литературе.

Рождение гитары произошло в странах Ближнего и Среднего

Востока,

тысячи

лет

назад.

Гитара

–

это

древний

музыкальный

инструмент. По мнению некоторых исследователей, выяснилось, что

предками гитары являются древние кифары.

На древнеегипетских пирамидах и ассирийских архитектурных

памятниках существуют иероглифы, на которых изображен музыкальный

инструмент наблу, по форме немного напоминающий гитару.

Ближе к 3-му тысячелетию до нашей эры начали развиваться и

распространились по всему побережью Средиземного моря «Кефира»,

«Набла», и арабский «Эль – ауд».

В самом начале нашей эры в Европейских странах Средиземноморья

была популярна латинская гитара – ближайшая родственница греческой.

Название «Лютня»

появилось от арабского «Эль – ауд»,

что

означает « благозвучный» и «деревянный», также связана родственными

узами с гитарой.

Одна из версий появления гитары и лютни в Европе – культурные

связи между Древней Грецией и странами Ближнего и Среднего Востока.

До 16 века гитары были трехструнными и четырехструнными. На

них играли «плектором».

6

Придумали пятиструнную гитару уже в Испании позднее этого же

столетия.

Она и стала с этого времени называться - испанская гитара. Самое

большое человеческое признание гитара получила именно в Испании.

Гитара стала народным музыкальным инструментом. Ввиду того, что

гитара стала пятиструнной, она вытеснила своих предшественниц – лютню

и виуэлу. Уже в те времена появились первые виртуозы и композиторы,

которые подняли искусство игры на гитаре на высокий уровень.

Появились учебники по освоению гитары. К концу 18 века появилась

и шестиструнная гитара. Это вновь произошло в Испании. Возможности

шестиструнной гитары превышали в разы предыдущие инструменты.

Не смотря на появление гитары семиструнной, шестиструнная гитара

остается популярным типом гитар и по сей день. Гитара является

струнным щипковым музыкальным инструментом, и применяется в

качестве аккомпанирующего или сольного инструмента во многих стилях

и направлениях музыки, среди которых романс, рок, джаз, блюз, фламенко,

кантри.

Очень важную роль для популяризации гитары сыграла музыкальная

деятельность знаменитых композиторов, написавших множество

концертов, пьес, фантазий, вариаций и сонат именно для гитары соло:

итальянцев М. Джулиани и М. Каркасси, испанцев Д. Агуадо и Ф. Сор.

С творчеством Михаила Тимофеевича Высотского (1791-1837) –

гитариста – самоучки, ставшего впоследствии виртуозом и композитором,

связана целая эпоха в гитарном искусстве. Он завершил становление

семиструнной гитары как русского народного инструмента, и как

откровенный вызов западно - европейской традиции. И уже ни Сор, ни

Джулиани не смогли увести русских гитаристов с избранного пути.

Мастерство Высотского ярче всего отразилось в его песенных

вариациях. Лучшие старинные и современные ему песни получили в его

интерпретации такое отображение, какого не найти даже в творчестве его

современников, намного более сильных и музыкально грамотных

композиторов.

Вторая половина 19 – го столетия характеризуется снижением

популярности гитарной музыки, появляется новый инструмент –

фортепиано. В музыкальном мире фортепиано выдвинули вперед, за

звучность, богатство и громкость музыки.

В сороковых годах 19 века в России, как и в Европе, наступает

длительный период упадка гитарного искусства. Не только деятельность

Макарова, но и концерты более значительных музыкантов – гитаристов во

второй половине 19 века не получали общественного резонанса. Из-за

7

относительно тихого звучания, скудности репертуара - ведь никто из

крупных русских композиторов не сочинил ни одной пьесы для гитары,

хотя этот инструмент и пользовался симпатиями у Глинки, Чайковского.

В России долгое время гитару считали несолидным инструментом.

Русские гитаристы, имеющие мировую известность Н.П. Макаров, М.Д.

Соколовский не получили поддержки у официальных властей родной

страны в деле продвижения гитарной музыки.

Гитара была признана инструментом непригодным для

использования в концертных залах. Не на высоте оказывается и гитарная

педагогика. Интересно заметить, что одной из наиболее серьезных

попыток поставить обучение игре на гитаре на должную высоту

происходит в Курске. Там, при музыкальных классах Русского

музыкального общества открывается с санкции А.Г. Рубинштейна класс

семиструнной гитары.

Основоположником гитарной музыки в России считается композитор

А. Сихра (19 век). Он усовершенствовал в России семиструнную гитару.

Популярность она завоевала как в высших сословиях, так и в низших

классах. Необычайно романтическая и душевная музыка получила

повсеместное признание. До конца 20-го века музыка этого инструмента

исполнялась и слушалась в домашней обстановке, бардовских клубах и на

молодежных вечерах.

В 20- м веке для гитары был новый толчок в популяризации.

Массовое производство инструмента сделало его доступным для широких

масс, а открытие музыкальных школ дало возможность всем желающим

научиться играть. Создается интернациональный союз гитаристов в

Мюнхене. Появляются новые виртуозы игры на гитаре: А. Сеговия, Э.

Пухоль, С.де ла Маса, М. Льобет.

Новые технологии привели к возникновению многообразия видов

гитар. Более 100 лет был создан прототип современного инструмента в

Испании, где появилась гитара классическая. Гитара с металлическими

струнами – (фолк – вестерн) и джазовая гитара появляются позже.

В 1821-1823гг. были открыты «Музыкальные академии» в городах

Нижний Новгород и Москве.

М. Соколовский – гордость отечественной музыкальной культуры.

Он был крупнейшим гитаристом-виртуозом 19в. Его концерты проходили

с огромным успехом и в России и в странах Западной Европы.

Пропагандистом и известным исполнителем на шестиструнной

гитаре является Николай Петрович Макаров.(1810-1890)гг. Организатор

Международного конкурса в Брюсселе. Им написаны книги «Задушевная

исповедь», «Мои семидесятилетние воспоминания».

8

В развитии отечественного гитарного искусства внес большой вклад

П. Петтолетти (ок.1800 – 1875), В. Лебедев (1867 – 1907), Ю. Дьяков (1840

– ок.1910) и другие. Эти гитаристы были известными педагогами и

исполнителями, авторами школ и самоучителей, обработок и переложений

для шестиструнной гитары.

Выдающийся итальянский скрипач Н. Паганини виртуозно играл

как на скрипке, так и на гитаре. Гитара великого скрипача является

экспонатом

музея

Парижской

консерватории.

Своим

невероятным

мастерством скрипач обязан гитаре, так как многие технические гитарные

приемы Паганини переносил на скрипку. Маэстро любил говорить: « Я

король скрипки, а гитара моя королева».

В Национальном археологическом музее Афин хранится скульптура,

датируемая четвертым столетием до нашей эры, изображающая девушку,

музицирующую на гитаре.

В Музее музыкальных инструментов, находящимся в консерватории

Парижа находится гитара, принадлежащая работе венецианского мастера

К. Коко. Образец, на котором стоит дата – 1602, является первым

дошедшим до нас инструментом 17 века.

В Национальном археологическом музее Афин хранится скульптура,

датируемая четвертым столетием до нашей эры, изображающая девушку,

музицирующую на гитаре.

Знаменитые композиторы К.М. Вебер, Д. Верди, А. Диабелли

увлекались исполнением на гитаре.

Выдающийся

композитор

и

гитарист

Ф.

Сор,

именуемый

современниками «Мендельсоном гитары», в начале 19 века, пять лет жил в

Москве

со

своей

женой,

которая

служила

балетмейстером

в

Императорском театре. Музыку к балетным спектаклям писал Ф. Сор.

Ф. Шуберт выдающийся немецкий композитор очень трепетно

относился к гитаре. Инструмент на котором музыкант играл, сейчас

является экспонатом музея – квартиры Ф. Шуберта в Вене.

И так подведем итоги истории происхождения гитары:

Испанская гитара.

Испания в средние века была главным центром развития гитары,

куда она была привезена из древнего Рима – так называемая латинская

гитара.

А

вот

мавританская

гитара

была

привезена

арабскими

завоевателями. Гитара с пятью сдвоенными струнами, изобретенная в

Испании, получила свое распространение в 15 веке. Такая гитара получила

название «испанская гитара». Эта гитара приобретает 6 струн в процессе

эволюции в конце 18 века, а также большой репертуар произведений

9

благодаря

итальянскому

композитору

и

гитаристу-виртуозу

Мауро

Джулиани.

Русская гитара.

В Европе гитара была известна уже на протяжении пяти веков, а в

Россию она попала относительно поздно. Лишь в начале 18 века западная

музыка широко стала распространяться в России. Благодаря Карло

Коноббио и Джузеппе Сарти, композиторами из Италии, гитара получила

основательное место в России. Николай Макаров был одним из первых и

значительных гитаристов и исполнителей на 6-струнном инструменте. А

вот в начале 19 века, с помощью деятельности талантливого гитариста

Андрея Сихры, популярным становится 7-струнный вариант исполнения

гитары. Он написал более тысячи произведений для 7-струнки под

названием «русская гитара».

Акустическая гитара.

Конструкция испанкой гитары, в течение 18 – 19 веков,

значительно претерпевала изменения. Мастера экспериментировали с

креплением грифа, формой и размером корпуса, конструкцией механизма

колков и другими деталями. И вот, испанский гитарный мастер в 19 веке

Антонио Таррега придал акустической гитаре современный размер и

форму.

Гитары

его

конструкции

сегодня

названы

классическими.

Франсиско Таррега был наиболее известным испанским гитаристом и

композитором того времени, который заложил основы игры на гитаре в

классическом стиле, а его последователем в 20 веке стал Андрес Сеговия.

Электрогитара.

Когда в XX веке электричество начало своё победное шествие по планете,

фабриканты музыкальных инструментов не могли обойти стороной

возможность

значительно

усилить звук струн

гитары с

помощью

технических устройств. В 1936 году впервые была создана «бабушка»

электрогитары. Она имела алюминиевый корпус и пару звукоснимателей

на электромагнитах. Благодаря круглой форме корпуса, больше похожей

на банджо, и материалу, она получила прозвище «сковородка».

Благодаря преобразованию акустических колебаний в электрические и

действие усилителей электрогитаре не нужен резонатор – её корпус может

быть самых разных форм, хотя чаще и делается похожим на акустическую

гитару.

_______________________________________________________________

Источник: Е. Ларичев. Шестиструнная гитара.// Музыкальный альманах. Выпуск 1.Гитара. М.,1

10

2. Гитарное исполнительство.

Гитара, инструмент многоликий, и гитарное звучание весьма

разнообразно. Гитара получила огромную популярность во всем мире.

Классическая гитара обладает ярким, плотным, «круглым» звуком. Гитара

фламенко имеет ярко выраженный звонкий, резкий тембр.

Профессиональное гитарное искусство обладает обширным

оригинальным репертуаром, включающим произведения различных эпох и

стилей. Формирование навыков игры на классической гитаре позволяет

учащимся

в

дальнейшем

самостоятельно

осваивать

различные

музыкальные инструменты, являющиеся «родственниками» классической

шестиструнной гитары, – электрогитару, банджо, различные старинные

струнные инструменты.

Большинство работ, посвященных гитарному искусству,

представляют собой в одних случаях описание интересных событий и

личных переживаний, не предполагающих научного анализа явлений, в

других –

Как и во всех других видах музыкально - исполнительского

искусства, в гитарном исполнительстве нужно, прежде всего, стремиться к

культуре исполнения, к выявлению художественной содержательности

исполняемого, к качественному звучанию и, конечно же, к свободной,

развитой технике. Вместе с тем, преподаватель, следующий в своем

искусстве апробированным практической классическим традициям, не

должен проходить мимо поисков и инноваций (если, разумеется, они

исходят от квалифицированных, грамотных музыкантов).

Важно во всех случаях оставлять за собой право анализировать,

обобщать и синтезировать лучшие, наиболее прогрессивные и полезные

стороны. Необходимо учиться видеть и использовать самое нужное,

стараясь прогнозировать, что их нового действительно может принести

пользу в той или конкретной учебной ситуации – скажем оказаться

полезным в развитии ученика на перспективу (через некоторое время).

Потому что, успех в конечном итоге зависит от целесообразности

индивидуального применения того или иного приема, метода, подхода,

штриха и т.д. именно в данной ситуации. К примеру, абстрактно спросить

о том, применять ли в игре на гитаре прием (апояндо) или не применять.

Важно анализировать и понимать, где, когда, зачем и в каких пределах

целесообразно использовать этот прекраснейший исполнительский прием.

Можно взять и другой пример – посадку гитариста.

Всегда существовали разные методы ее формирования. Корпус

гитары даже прислоняли к стулу или столу для лучшего резонирования. И

поныне под левую и правую ноги подставляют подставки. Один гитарист

левую ногу кладет на правую, а другой наоборот.

11

Есть разные мнения о положении правого локтя, об игровой форме

кисти правой руки, о величине угла положения грифа по отношению к

корпусу

исполнителя.

Словом,

мнений

много,

а

общий

критерий

определения наиболее верных игровых положений, да еще с учетом

индивидуальных

особенностей

строения

рук

и

всей

физической

конституции ученика должен быть дифференциален.

По моему мнению, что красиво, то и верно. Но у каждого гитариста

эстетическая

привлекательность

не

может

быть

чисто

внешней,

визуальной, а должна исходить изнутри, что в сущности, и есть

проявление внутренней музыкальной культуры. Только обладая такой

культурой, гитарист сможет свободно, «произносить», интонировать

музыку с помощью живого музыкального звука, который в свою очередь,

станет красотой внешнего порядка, то есть воспринимаемой чьим – то

взыскательным слухом.

Таким образом, чтобы музыка эстетически воздействовала на

слушателя, ее исполнитель должен быть в полной мере высококультурным

человеком, обладающим безупречным художественным вкусом.

Можно

много

сказать

о

представителях

русского

гитарного

исполнительства, внесших свой вклад в развитие русской национальной

школы. Русскую гитарную школу отличают черты: четкость артикуляции,

ориентированность на мелодические особенности, красивый музыкальный

тон, создание специфического репертуара, во многом уникального,

прогрессивный

метод

использования

специальный

аппликатурный

«заготовок», проб и каденций, раскрывающих возможности инструмента.

Набор музыкальных каденций зачастую окружал музыкальную фразу и

давал своеобразную окраску мелодии.

Благодаря В.А. Русанову (1866 – 1918гг), музицирование на гитаре

получило большую поддержку. Издавались журналы «Гитара» и «Музыка

гитариста» с публикациями собственных исторических и теоретических

статей.

Постоянная эволюция музыки связана с прогрессом исполнительной

техники, и каждой эпохе соответствует определенный уровень ее развития.

В своем восходящем движении новые методы сохраняют или разрушают

принципы, существовавшие до этих пор. Каждый скачок в истории

развития гитары обогащал технику новыми находками, расширявшими ее

возможности. Каждый выдающийся мастер эпохи оставил следы своего

таланта,

а

время

позаботилось

об

отборе

приемов,

ведущих

к

совершенству.

Согласно существующим сегодня классификациям можно говорить о

двух типах исполнительства: бытовом и профессиональном. Первый вид

исполнительства

имеет

преобладание

привычных

звукоритмических

12

формул

или

интонаций,

простота

структуры

и,

соответственно,

доступность для исполнения и восприятия, их принадлежность кругу

потребностей большинства людей.

Появление профессионального исполнительства обусловлено развитием

второго типа музыки, для которого характерен «временный разрыв» между

первым и вторым видом цепочки. Другими ее признаками является разрыв

между исполнителем и аудиторией, а также художественно – эстетическая

функция.

Обозначенный

разрыв

очевиден

в

феномене

публичного

концерта.

На

протяжении

истории

появляются

талантливые

профессиональные музыканты: Ф. да Милано, Г. Санз, Л. Вайс, Р. Де Визе

и многие другие.

В истории гитарного исполнительства этапным стал «блестящий

период» (19века), во время которого появился публичный концерт как

форма «открытого музицирования» со специально подготовленной для

этого события программой и продажей билетов. С этого времени

развивается

институционная

инфраструктура

–

специально

подготовленные сцены и концертные залы. Формируются своего рода

«концертная

индустрия»,

представителями

которой

становятся

организаторы

концертов

(импрессарио,

агенты)

и,

собственно,

концертирующие профессиональные музыканты.

Подводя итоги, отметим, что результаты исследования можно

представить в следующем виде:

- исполнительский стиль на классической гитаре преодолевает рамки

национальной культуры;

- структура профессионального исполнительства на классической

гитаре,

в

соответствии

с

признаками

академической

музыкально-

исполнительской

деятельности,

включает

в

себя

прикладное,

художественно-эстетическое и виртуальное исполнительство;

- следовательно, современное исполнительство на классической

гитаре

представляет

собой

вид

профессиональной

музыкальной

исполнительской деятельности.

В России гитарное исполнительство пережило ряд подьемов и

падений, связанных с экономическими и политическими событиями.

Новый интерес к гитаре возникал благодаря энергичной деятельности

теоретиков, педагогов и издателей.

Развитие гитарного исполнительства в России происходит довольно

активными темпами, но несмотря на это, в системе профессионального

образования преподавание этого инструмента все еще относится к

компетенции кафедр (отделений) народных инструментов. В то же время

данная ситуация не соответствует академическому статусу гитары. Таким

13

образом проблема противопоставления народного и академического

музыкального искусства в сфере гитарного исполнительства в настоящее

время не решена.

Особая страница в развитии исполнительства на гитаре на Урале

связана

с

именем

Дмитрия

Милованова

(г.

Каменск

-

Уральске

Свердловской области), лауреата международного конкурса В. В. Козлова.

Д. Милованов – участник всесоюзных фестивалей гитарной музыки в г.

Жданове (1984, 1987); дипломант всесоюзного фестиваля в г. Челябинске

(1991); участник международного фестиваля в г. Полтаве (Украина, 1982);

участник всесоюзного семинара профессора Ласло Сендрей-Карпера

(Москва, 1985); участник фестиваля гитаристов Урала (Челябинск, 1995).

Композиторы конца XX века –

1. Сергей Руднев (род. в 1955 г.), гитарист-исполнитель и композитор,

автор оригинальных пьес для гитары, которые исполняются такими

известными гитаристами как Никита Кошкин, Владимир Микулка, Юрий

Нугманов. Известен своими гитарными обработками русских народных

песен. Сергей Руднев

окончил Тульское музыкальное училище по

специальности баян и балалайка. Гитару изучал самостоятельно и брал

частные уроки в Москве у В. Славского и П. Панина. Используя

приглашения на различные фестивали гитарной и джазовой музыки,

сосредоточился на выработке собственной манеры игры. В концертных

программах - сочинения зарубежных, русских композиторов. Готовится к

выпуску диск в авторском исполнении русской народной музыки на

классической гитаре.

2.

Кошкин Никита Арнольдович, русский композитор и гитарист.

Родился в Москве 28 февраля 1956 года. К классической гитаре пришел

через увлечение рок-музыкой. В школьные годы начал самостоятельно

изучать гитару, вместе с друзьями организовал в школе ансамбль. Кроме

гитары Никита Кошкин пишет музыку и для других инструментов. У него

есть несколько пьес для фортепиано, несколько романсов для голоса и

фортепиано, а также музыка для гитары с другими инструментами:

большая соната для флейты с гитарой, трио для флейты, скрипки и гитары;

цикл пьес для меццо-сопрано и гитары, сочинения для дуэта и трио гитар,

для дуэта гитар и контрабаса. Произведения Кошкина исполняли Джон

Вильямс, гитарный дуэт братьев Ассад, Загребское и Амстердамское

гитарные трио.

3. Виктор Козлов (род. 1958) Сочинять музыку начал с 12 лет. Первые

значительные опусы написаны в музыкальном училище: струнный квартет;

трио для флейты, альта и гитары; вариации для фортепиано, "Хоровод и

пляска" для гитары соло. В дальнейшем отдает предпочтение сочинению

миниатюр для сольной гитары и трио гитар. Популярностью пользуются

юмористические пьесы Козлова: "Восточный танец", "Марш солдатиков",

14

"Маленький детектив", "Танец охотника", "Кискино горе". Несколько

сочинений написано композитором для гитары с оркестром: "Концертино",

"Былина и русский танец", "Буффонада", "Баллада для Елены прекрасной",

сюита для гитары соло "Черный тореадор". Особое место в его творчестве

занимают многочисленные произведения для детей.

4.

Александр

Виницкий

(род.

1950

г.)

композитор,

гитарист,

музыкальный педагог. Преподает в музыкальном училище им. Гнесиных

классическую гитару, выступает с сольными концертами, пишет музыку

для гитары, проводит семинары и мастер - классы по теме "Классическая

гитара в джазе". Его достижение и вклад в современный репертуар -

авторская программа, которая состоит из музыки в разных джазовых

стилях. Он серьезно занимается аранжировкой на гитаре. Особенностью

игры Александра Виницкого стало использование "шагающего" баса и

ритмических структур на протяжении всей композиции одновременно с

мелодическими линиями. Большой палец выполнял функцию контрабаса.

Остальные пальцы были как бы музыкантами ансамбля. В своей игре он

добивается постоянной пульсации и проведение мелодических линий.

Исполняемая им музыка звучала так, как будто играет трио. Такой стиль

иногда называют "fingerstyle".

5.

Отдельно следует сказать о композиторе Игоре РЕХИНЕ, как о

человеке, внесшем величайший вклад в историю и современность гитары, -

как семиструнной, так и испанской (классической). Автор многочисленных

произведений для гитары, получивших широкую известность в стране и за

границей. Он выносил и воплотил в жизнь идею создания современного

репертура крупной формы. В тесном сотрудничестве с Александром

Камиловичем Фраучи, преподавателем Гнесинского института в Москве и

прекрасным концертным исполнителем, он работал над созданием

"Гаванского концерта", который увидел свет в 1983 году.

Музыкальное исполнительство постоянно сопряжено с активным

мышечным тонусом, такими качествами как сила и выносливость, достичь

которых

невозможно

без

определённого

физического

напряжения.

Главным залогом успеха является свобода игрового аппарата. Важную

роль

играет

выносливость

и

филигранность

технической

стороны

исполнения музыканта. На этом должна базироваться целесообразность

гитарной техники в целом.

________________________________________________________________

Вольман Г.« Гитара в России» изд. Ленинград1961г.

15

3. Приемы игры на гитаре и их особенности.

Существуют приемы игры, с помощью которых можно украсить свое

исполнение, но их переизбыток в пьесе говорит о плохом вкусе (если

только этого не требует стиль исполняемого произведения).

Флажолет.

Этот прием игры является одним из самых красивейших. Звук флажолета

чем - то похож на звучание флейты, бархатный, тянущийся и чуть глухой.

Флажолет – расширяет диапазон гитарного грифа: некоторые флажолеты

издают ноты, по высоте превосходящие самый высокий звук стандартного

строя.

Существует несколько секретов удачного выполнения приема флажолет.

Первый вид флажолетов называется натуральный.

Он выполняется на 5, 7,12. 19 ладах. Аккуратно прикасаясь пальцем левой

руки над порожком между 5 и 6 ладами. Флажолет получится правильным

и красивым если:

1. Не задерживать палец на струне – не препятствовать ее вибрации; если

это возможно извлекать звук приемом (апояндо);

2. Отодвинуть правую руку к подставке и после этого извлечь звук, тогда

флажолет получится ярким.

Второй вид флажолетов называется искусственный.

Этот вид флажолета более сложный в извлечении. Однако он позволяет

расширить звуковой диапазон. Прижимая любой лад на любой струне,

отсчитав 12 ладов отметьте для себя полученное место. Указательный

палец правой руки поставьте в отмеченное место, а безымянным

извлекайте струну. Это и будет называться – искусственный флажолет.

Вкратце

Флажолет

–

это

способ

зажатия

струн

левой

руки

«

поверхностно», то есть не прижимая их к ладам.

Третий вид флажолетов называется сложный.

Этот прием флажолетов отличается от предыдущего вида только тем, что

для его выполнения задействуется большой палец правой руки, во время

который во время звучания ведет дополнительный аккомпанемент. Также

палец ( i ) немного сильнее жмет на струну.

Глиссандо.

Этот прием самый простой и выполняется он без особого труда.

Выполняется он следующим образом:

16

1.

Поставить палец на любой лад любой струны, извлекая звук и

плавно провести пальцем на несколько ладов вперед или назад. (Это

зависит от направления глиссандо, которое называется восходящим

или нисходящим).

Глиссандо – прекрасный способ залиговать ноты или перейти в другую

позицию с минимальным временем. Это скольжение по струне пальцем

левой руки.

Пиццикато.

Гитарное пиццикато подражает звуку скрипичному пальцевому способу

игры. А поэтому часто используется именно в выполнении классической

музыки.

Способ извлечения звука пальцем на струнных смычковых инструментах –

это пиццикато.

Если положить ребро правой ладони на подставку гитары, мякоть ладони

должна чуть – чуть накрывать струны. Оставляя руку в таком положении,

нужно что-нибудь сыграть. Звук при этом должен быть приглушен

одинаково на всех струнах. Пиццикато поможет контролировать подачу

звука: его звонкость, длительность звучания и громкость.

Тремоло.

Этот прием исполняется приемом тирандо, многократное повторение

звука. На классической гитаре тремоло исполняется поочередными

движениями трех пальцев правой руки. При этом большой палец правой

руки исполняет опору или бас, а ( a m i), именно в таком порядке –

тремоло.

Тремоло можно получать и играя одну ноту максимально быстро.

Гитаристы исполняющие медиаторный способ игры тремоло, этот прием

могут освоить быстро. Играть пальцами ровное тремоло удается далеко не

сразу и далеко не всем. Потому что, техника тремоло требует очень

ровного

и

быстрого

исполнения

нескольких

одинаковых

нот.

В

классической гитаре чаще всего линия тремоло ведется после баса тремя

повторяющимися звуками. Получается схема: (p a m i).

Прекрасный пример гитарного тремоло можно увидеть на примере « Аве

Мария» Шуберта.

Легато.

Прием при исполнении которого звуки извлекаются левой рукой, правая не

участвует. Существует три вида данного приема:

1.

Восходящее легато.

2.

Нисходящее легато.

17

3.

Смешанное легато.

Восходящее легато. Этим приемом может быть исполнено несколько

звуков поочередно, причем правая рука извлекает только первый звук,

остальные звуки исполняются с помощью левой руки.

Нисходящее легато. Правая рука извлекает звук, после чего палец левой

руки, прижимающий звучащую струну, с силой снимается с этой струны в

сторону и чуть вверх, в направлении кисти.

Легато на разных струнах.

В гитарной технике прием легато имеет

первостепенное значение. Этот прием сложен, и для его обработки следует

приложить не мало усилий. Извлекая звук правой рукой, один из пальца

левой руки, с силой опустившись на другую струну, извлекает второй звук

без участия правой.

Вибрато.

На гитаре этот прием выполняется просто. Суть заключается в колебании

прижатой струны. Многие гитаристы выполняют вибрато с помощью

колебания кисти или локтя ( на малом баррэ).

С помощью приема вибрато достигается дрожащий, вибрирующий звук.

Для хорошего вибрато достаточно двигать пальцем левой руки, прижимая

струну во время извлечения звука.

Прием игры – это украшение или дополнение к извлечению звука. Вид

удара, является приемом игры. Игра по всем струнам правой рукой - этот

способ извлечения звука называется удар (чередование ударов – бой).

Если гитарист выполнил удар в районе подставки (удар должен быть

выполнен в виде резкого поворота или замаха кисти в сторону большого

пальца) – этот прием игры называется тамбурин. Первый вид является

способом извлечения звука, он выполняется очень часто. Второй вид – это

прием игры на гитаре.

Игра без вибрато делает музыку скучной и не выразительной. Пости в

каждом соло или мелодии используется этот прием.

Способы звукоизвлечения.

Бой, удар и расгеадо.

Бой и удар чаще всего используются как аккомпанемент. Самое главное,

соблюдать направление движения руки и ритм.

Расгеадо

–

колоритный

испанский

прием,

представляющий

собой

поочередный удар по струнам каждым из пальцев (кроме большого).

Перед тем как выполнить расгеадо на гитаре, следует попрактиковаться

без инструмента. Нужно сжать руку в кулак, и начиная с мизинца,

пружинисто выпускать зажатые пальцы. Движения должны быть упругими

и четкими.

18

Существует два основных способа звукоизвлечения.

Апояндо и Тирандо.

Первый способ – удар апояндо, который еще называется опорным ударом

с остановкой на соседней струне. Этот способ выполняется всеми

пальцами, в том числе и большим (p). Этот удар применяется при

исполнении медленных отдельных звуков и быстрых или медленных

гаммообразных пассажей. Не нужно бить по струнам, нужно стараться

добиваться красивого звучания.

Апояндо - очень характерен для музыки фламенко. Этот способ игры

выполняется проще, чем тирандо – при щипке струны палец повисает не в

воздухе, а опирается на соседнюю струну. Звук становится более ярким и

насыщенным. Способ апояндо существенно тормозит гитариста в его

темпе исполнения. Апояндо играет преимущественно большой палец – это

и есть «фишка» фламенко. Одноголосная мелодия или мелодия в басу

всегда играется на опоре большим пальцем. При ускорении темпа

исполнитель переходит на щипок.

Второй способ – тирандо. Этот способ известен как свободный удар.

Исполняется пальцами (i, m,a). При игре на тирандо. Надо убедиться, что

палец достаточно согнут и не заденет соседнюю струну. На тирандо

удобно играть арпеджио, аккорды, при одновременном звучании струн.

Пока пальцы (i, m, a) играют, большой палец (p) может следовать за ними,

скользя по басовым струнам, не останавливаясь ни на одной из них, т.к.

положение руки постоянно меняется. Суть приема тирандо – это

поочередное выжимание струн. Этим способом играют стандартные

переборы. Особое внимание нужно обратить на свободу движения, при

игре рука не должна быть зажатой в кисти и запястье.

Таппинг.

Извлечение

звуков

путем

постукивания

по

струнам

–

одна

из

разновидностей легато, которая называется таппингом. Если зажать струну

на одном ладу, а затем резко ударить другим пальцем по этой струне, но

одним или несколькими ладами выше, то слышится интересное звучание.

Стуки по струнам называются hammer-on. К таппингу также относится

своеобразное сдергивание пальца со струны, называемое pull-of. При таком

приеме звук получается звонкий и четкий, но обладает не слишком долгим

звучанием.

________________________________________________________________

А. Сеговия «Моя гитарная тетрадь». Москва «Музыка» 1995г.

19

4. Развитие художественного мышления.

Развитие музыкального мышления должно основываться на глубоком

познании законов музыкального искусства, внутренних закономерностях

музыкального

творчества,

на

осмыслении

важнейших

средств

выразительности, воплощающий художественно – образное содержание

музыкальных произведений.

Существуют признаки понятия « музыкального мышления»:

1.

Музыкальное мышление совершается при помощи мыслительных

операций: анализ, синтез, сравнения, обобщения.

2.

Музыкальное мышления является частным видом художественного

мышления, поскольку, как и мышление в целом, оно является

функцией головного мозга, присущей каждому человеку.

3.

Музыкальное мышление имеет творческий характер.

Преподаватель, организуя процесс развития музыкального мышления,

должен опираться на его прежний опыт, восприятия и полученные

представления. Решать задачи и ориентироваться человеку помогает

именно мышление.

Существует два структурных уровня мышления: «рациональный», и

«чувствительный».

«Рациональный» - опирается на компоненты: творческую интуицию,

логические приемы, ассоциации.

«Чувственный»

-

включает

в

себя

компоненты:

музыкальные

представления и эмоционально – волевые.

Связующим звеном между этими компонентами

служат музыкальное

(слуховое) воображение. У детей основой содержания музыкального

мышления

является

активное

восприятие

(слушание)

музыкального

материала,

элементарное

музицирование,

сочинительская

практика,

вовлечение в ситуации создания образных представлений, импровизация,

решение творческих заданий на основе включения в игровые формы

деятельности и художественное общение.

Анализируя

подходы в изучении музыкального мышления,

можно

определить разновидности музыкального мышления:

1.

Систему

интонационных

взаимосвязей

и

отношений,

характеризующихся

умением

устанавливать

жанровые,

стилические, драматургические, образно – выразительные связи

как внутри одного, так и между несколькими произведениями

одного или разных авторов, т.е. владение нормами музыкального

языка.

20

2.

Обьем музыкально – интонационного словаря. Словаря устного,

составленного каждым человеком из наиболее «говорящих ему»,

«на слух лежащих» фрагментов музыки, интонируемых вслух или

про себя.

3.

Творчество.

Эффективным способом формирования образно – художественного

анализа является комбинированный урок, в котором используются разные

виды искусства, а также грамотное построение беседы преподавателя и

учащегося.

Сегодня значимыми исследованиями являются труды Е.

Назайкинского (« О психологии музыкального восприятия»), А. Леонтьева

(«Деятельный ум»).

Процесс формирования музыкально – художественного образа

сопровождается некоторыми проблемами, так как музыка не имеет в себе

конкретных предметных жизненных явлений. Она создает особый мир

чувств

и

звучаний,

восприятие

которой

несет

за

собой

особые

переживания. Целостное восприятие музыки, с одной стороны. Связано с

уровнем музыкального слуха слушателя, его музыкальной подготовки и

осведомленности. С другой стороны, восприятие напрямую зависит от

профессионализма

исполнителя.

Нельзя

недооценивать

степень

подготовленности исполнителя. Его задача не только точно передать то,

что записано в нотном листе, но и постараться как можно глубже передать

замысел

автора.

Исполнитель

должен

изучить

эпоху

автора,

его

личностные

качества

характера,

моральные

ценности

и

взгляды,

господствующие в то время.

В целом говоря о художественном мышлении можно сказать, что

формируется

оно

благодаря

развитию

психических

процессов

как

восприятие,

ассоциативность,

воображение,

художественный

опыт,

память, мышление. Уроки музыки направлены на развитие эмоционально –

ценностной культуры личности обучающихся посредством знакомства с

разнообразными музыкальными произведениями и жанрами. Поэтому

очень

важно,

чтобы

учащиеся

умели

правильно

воспринимать

и

анализировать услышанную музыку.

Образная сфера музыки является основополагающей стороной не

только исполнительства, но и музыкального творчества в целом. Благодаря

образной сфере музыканты проникают в самую суть исполняемой музыки,

используя при этом огромный арсенал музыкально – выразительных

средств. Музыка рождается и живет в результате единения деятельности

композитора, исполнителя, педагога, слушателя. В сознании композитора

под воздействием музыкальных впечатлений и творческого воображения

зарождается

музыкальный

образ,

который

затем

воплощается

в

произведение.

21

Исполнение, включает в себя нахождение неизвестного, открытие

новых сторон в разучиваемом произведении. Подробный анализ гармонии

дает

учащимся

возможность

расширить знания

о выразительности

гармонического языка. Гармония всегда едина с мелодией, обогащает ее,

подчеркивает

ее

выразительность.

Постоянное

приобретение

новых

знаний,

умение

применять

их

на

практике,

вовлечение

основных

мыслительных процессов – все это эффективно способствует развитию

интеллектуальных возможностей учащихся.

На начальном этапе обучения важно выработать правильные и

рациональные

навыки

постановки

рук,

физиологической

и

психологической

свободы

ученика.

Это

процесс

трудоёмкий

и

кропотливый, если же мы превращаем выполнение данных задач в игру, то

в

непринуждённой

форме

ребёнок

быстрее

находит

контакт

с

инструментом.

Фиксировать положение локтевого сустава правой руки можно играя

в следующую игру. Попросите ребёнка отхлопать ритм под музыку только

по обечайке, затем от обечайки спускаясь к розетке, затем от обечайки к

розетки и далее к нижней части деки. Детям нравиться хлопать под

музыку. А я если усложнить задачу и нарисовав определённый образ

воплотить его в ритме? Или хлопать ритмические рисунки, отводя

восьмым длительностям обечайку, четвертям - розетку, а половинным

нижнюю часть деки? Изучая длительности нот можно использовать

следующие приёмы активизации творческой активности: подтекстовка и

пластические движения. Например, четвертные ноты - это "шаги" или

хлопки с сцепкой рук, восьмые - "па-ра" или хлопать в ладоши,

половинные - руки на поясе наклон влево и вправо, символизирующий две

доли.

Задания на определение оптимального положения левой руки на

грифе гитары следует начинать с освоения пятой позиции. Попросите

ученика поймать кистью гриф в данной позиции, а затем опустив кончики

пальцев до третьей струны округлить их, и прижать ими эту струну.

Обратите внимание ученика на то, чтобы большой палец естественным

образом располагается напротив второго. При расположении пальцев в

позиции лады можно сравнивать с "домиком".

Игры и упражнения для рук и пальчиков должны стать

обязательной

составляющей частью воспитания и обучения детей младшего школьного

возраста. Это, прежде всего, школа игры, в которой ребёнок укрепляет

пальцы и суставы, развивают мелкие мышечные движения. Игровые

моменты помогают ребёнку почувствовать уверенность и свободу.

____________________________________________________

Источник: Е. Ларичев. Шестиструнная гитара.// Музыкальный альманах. Выпуск 1.Гитара. М.,1989.

22

5. Гитара в ансамбле.

Ансамбль –

это коллективная форма игры, в процессе которой

несколько музыкантов исполнительскими средствами сообща раскрывают

художественное содержание произведения.

В переводе с французского языка, «ансамбль» означает:

слаженность и согласованность. Именно это, и есть его самая важная

составляющая.

Делать

что-то

вместе

и

делать

это

синхронно.

В

синхронности и кроется главная тайна и неизменный успех ансамбля.

Для музыканта нет большего счастья, чем совместное

музицирование, и степень профессионализма любого музыканта прямо

пропорциональна его мастерству игры в ансамбле. Да, он может быть

прекрасным солистом, слушать которого – одно удовольствие, но

окончательно оценить его, как музыканта, можно лишь, послушав, как он

играет в коллективе.

На разных стадиях обучения ансамбль состоит из педагога и

ученика. Основные задачи на этом этапе: получить начальные навыки

чтения с листа и анализа нотного текста, научится слушать друг друга,

соблюдать динамические оттенки.

Позднее ансамбль – это совместное музицирование со сверстниками.

В ансамблевой работе необходимо освоить навыки «солирования», и

«аккомпанирования». Каждый должен уметь выделить свою партию и

создать для него необходимый фон. Самая трудная задача для учащихся,

играть вместе, умение слышать друг друга и хорошо чувствовать ритм.

Первая задача ученика - внимательно, без игры, просмотреть нотный

текст и определить ритмический рисунок, динамические оттенки.

Чтобы ученики получили более глубокое представление о

музыкальном искусстве, их знания необходимо обогащать сведениями о

некоторых музыкальных жанрах, о жизни и творчестве композиторов, об

эпохе, в которой создавались исполняемые произведения, об особенностях

музыкальных стилей.

Работая над произведениями нужно учитывать несколько тонкостей и

нюансов, которые нужно отслеживать, пока они не войдут в привычку.

1.

Прежде всего, стройная игра! Фальшивое исполнение сведет на нет

все хорошие начинания.

2.

Обязательно придерживаться одного музыкального жанра или

манеры игры. С точки зрения музыкальной направленности не

допустимо

разное

понимание

музыкального

произведения.

Сохранять характер пьесы.

23

3.

Все музыканты – люди, а не метрономы, и кому – то свойственно

ускорять или замедлять. За этим нужно тщательно следить.

Добиваться одинакового понимания темпа и ритма.

4.

Игра в ансамбле подразумевает одинаковые штрихи исполнения, т.к.

разные штрихи – это дисгармония в музыке.

5.

Заканчивать и начинать музыкальную фразу нужно одновременно.

Очень некрасиво и неряшливо слушаются окончания, завершенные

не

вместе

всеми

участниками

ансамбля,

если,

конечно,

в

произведении не подразумевается иное.

6.

Динамическая согласованность. Во время игры в ансамбле сольное

исполнение должно быть забыто. Если музыкант ведет главную

тему, он должен играть ярче, но во время контрапункта или

сопровождения, звук надо уменьшить.

Исходя из своего опыта, я начинаю прививать своим учащимся

навыки ансамблевого музицирования с четвертого класса. У ребят

появляется чувство ответственности перед товарищами, стремление к

самореализации, желание завоевать авторитет.

Создав в ансамбле творческую и дружескую атмосферу, преподаватель

может ставить перед ними сложные задачи и добиваться результатов,

используя и коллективное мнение участников ансамбля, и свой личный

авторитет преподавателя. На этом этапе стоят следующие задачи:

научиться пользоваться тембровой палитрой, работать над динамикой в

каждой партии отдельно, а также выстраивать динамический баланс,

освоить специфические гитарный приемы (тремоло, расгеадо, легато,

пиццикато, флажолеты, вибрато).

Я разберу работу дуэта гитаристов седьмого класса.

В начале урока мы проигрываем ритмические упражнения в унисон.

Здесь же мы играем в пределах одного динамического оттенка ровно.

Также это можно делать на одной ноте, чтобы услышать разницу в

звучании динамики. Затем переходим к произведению.

Возьмем для примера произведение В. Ерзунова «Бриз».

Разбираем, у кого звучит мелодия, у кого аккомпанемент, объясняя,

что мелодия должна звучать ярче. Первые четыре такта идет вступление и

тема идет у второго голоса. Понимая это, первый голос начинает играть

тише, чтобы не заглушить мелодию. Первый голос вступает в первой

цифре и ведет свою главную партию. Второй голос играет метроритм,

делая акценты на сильную долю.

Пьеса состоит из двух частей, так же есть репризная часть.

Работа над динамикой, не маловажная задача, которую надо

отработать.

Воспитав

тонкое

ощущение

динамики,

обучающиеся

24

безошибочно определят силу звучания своей партии, относительно

другого. В том случае, когда исполнитель в партии которого звучит

главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его партнер немедленно

среагирует и исполнит свою партию чуть тише или громче.

В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функцию

дирижера, он должен показывать вступление, снятия, замедления. Сигнал

к вступлению – небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов:

едва заметного движения вверх и затем четкого, довольно резкого

движения

вниз.

Очень

важно

закончить

произведение

вместе,

одновременно.

Итогом работы для ансамблей

всегда является концертное

выступление

или

конкурс.

В

результате

подготовки

у

учащихся

формируются

навыки,

как

умение

играть

вместе

(

синхронно,

подстраиваться под общий характер произведения и слушать партнера ).

Игра в ансамбле требует годы сосредоточенной работы и труда. Играя

вместе нужно ловить взгляды и движения друг друга, боясь упустить что –

либо. Здесь важна внимательность и чуткость, которая пригодиться в

жизни. Поэтому, можно не сомневаться, ансамбль полезное и приятное

дело не только для слушателей, но и для исполнителей.

Ансамбли бывают разные, и в зависимости от количества музыкантов

имеют свои названия. Такие слова, как дуэт, трио, квартет известны даже

далеким от музыки людей. Гитара прекрасно сочетается и с другими

инструментами, и с голосом. Поэтому ансамбли могут быть и смешанные:

гитара – фортепиано, гитара – домра, гитара – флейта и. т. д.

Задача преподавателя, как художественного руководителя ансамбля

состоит не только в отработке фразировки и динамики звучания, но и в

создании

и

реализации

общего

плана

интерпретации

выбранного

произведения, где темп играет важнейшую роль. Во время же выступления

темп задаёт ведущий ансамбля. Особое значение при игре в ансамбле

приобретает и умение удержать установленный темп, ведь небольшие

отклонения в темпе, возможные при сольном исполнительстве, теперь,

практически недопустимы.

Ансамблевая игра, как точно заметил в своей «Азбуке гитариста»

Ю.П. Кузин, располагает к более быстрому и правильному освоению

метроритмической основы музыкального материала. И первое техническое

требование совместной игры – это синхронность (напомню, что само слово

«ансамбль» буквально означает «вместе»

Если выбранное произведение заучивается на память, то в

результате

долговременной

работы

вырабатывается

определённый

автоматизм двигательных процессов и в этом - залог свободы исполнения.

Но оборотной стороной такого автоматизма является привычка к

25

определённой последовательности изложения музыкального материала,

что при каком - либо техническом сбое может привести к полной

дезориентации.

Преодолеть

это

явление

помогает

исполнение

произведения с разных мест (разумеется, это относится не только к

ансамблевым пьесам). Игра с разных мест может производиться как всеми

участниками ансамбля одновременно, так и произвольно отдельными при

совместном исполнении, что обостряет слуховой контроль и улучшает

понимание формы произведения.

Рассматривая ансамбль как одну из эффективнейших форм

музыкального воспитания, хочу отметить и этическую сторону такого

воспитания, а именно - воспитание чувства ответственности, ибо общий

успех в ансамбле зависит от успеха каждого. А воспитание посредством

совместных занятий музыкой эмоциональной отзывчивости и умения

сопереживать является, по моему мнению, одним из главных признаков не

только музыкальной культуры, но и общей культуры человеческого

общения. Таким образом, творческое начало, присущее ансамблевой

форме,

способно,

в

какой-то

мере

изменять

окружающую

действительность

в

лучшую

сторону.

К

тому

же,

совместное

музицирование – это ещё и возвращение к утраченным традициям

прошлого.

Известно, что от высококачественной игры зависит художественность

исполнения, что в свою очередь усиливает воздействие музыки, а,

следовательно, повышает ее воспитательную функцию. Поэтому, для

успешного осуществления музыкального воспитания в детском ансамбле

посредственным исполнением музыкального произведения ограничиваться

нельзя.

Обучение

игре

должно

быть

нацелено

на

достижение

художественного,

выразительного

исполнения:

высококачественное

исполнение является одним из основных педагогических требований.

Несколько слов о репертуарных проблемах. Начинать ансамблевую

практику лучше как можно раньше, аккомпанируя учащемуся в его первых

одноголосных

песенках,

для

этого

вовсе

не

обязательно

иметь

выписанную гармоническую последовательность, достаточно слуха и

минимального навыка (напомню, что работе с песенным гитарным

аккомпанементом был отведён целый раздел ещё в «Школе» Ф. Карулли).

Позднее,

если вы решили работать, допустим, с квартетом, можно

воспользоваться

нотной

литературой

для

дуэта

гитар

(таких

нот

достаточно

много)

и

просто

продублировать

обе

партии.

Такое

дублирование можно рассматривать не только как техническую уловку, но

и как средство усиления и обогащения общего звучания, предания ему

дополнительного объёма.

________________________________________________________________

Готлиб А. Основы ансамблевой техники – Москва: Музыка, 1971.

26

7.

Личный

опыт

музыкально

–

педагогической

деятельности.

«Творчество – это деятельность, в которой раскрывается духовный

мир личности, это своеобразный магнит, который притягивает человека к

человеку». Каждый, кто хоть немного ощутил в какой – либо сфере

искусства радость творчества, сможет воспринимать и ценить всё хорошее,

что делается в этой сфере, и с большей интенсивностью, чем тот, кто

только

пассивно

воспринимает.

Ничто

не

могут

возместить

те

удовлетворение

и

радость,

какие

доставляет

пение

или

игра

на

инструменте.

Я работаю в музыкальной школе достаточный срок, чтобы осознать,

насколько важна музыка в жизни ребенка. Ученик и преподаватель

становятся единым целым – вместе слушают, рассуждают, играют и поют.

Основной задачей моей работы является увлечь и заинтересовать

ребенка музыкой. Развить у него музыкальные способности и научить

выразительному исполнению музыкального произведения. Подготовить

ученика к активной музыкальной деятельности в дальнейшем.

Гитара имеет огромную популярность все больше и больше разных

возрастов. В ДШИ и ДМШ приходит большое количество детей,

желающие постичь мир искусства, мир музыки. Занимаясь в музыкальной

школе у детей развивается кругозор, вкус, мышление и, прежде всего ,

работа над собой и своим характером. Да, начальный этап обучения на

инструменте очень кропотливый.

Многие начинающие гитаристы, особенно самоучки, ошибочно

полагают, что главная рука — левая. Именно от неё зависит попадание в

ноты, возможность взять сложный аккорд и конечная скорость игры. К ней

прикован взгляд любого гитариста, который ещё не выучил расположение

нот на грифе гитары. Как правило, правая рука остаётся вообще без

внимания.

В результате страдает самое главное в музыке — качественный

звук, динамика и ритм, потому что именно правая рука «просто дёргает

струны», а не делает это как надо и вовремя. Открою, как выясняется, не

очевидный для многих секрет. Никто не придаст значения паре фальшивых

нот, когда произведение сыграно ровно и с динамическими оттенками, но

если ритм и темп плавают, а струны неприятно звенят, такую музыку

слушать не будут, даже при идеальном попадании в ноты.

Ребенка не нужно останавливать на ошибке во время исполнения

всего произведения, а продолжать играть дальше. Ученик часто сыграв не

ту ноту останавливается и начинает пытаться сыграть сбойное место без

ошибок, тем самым акцентируя на этой ошибке всеобщее внимание. Здесь

важно объяснить роль правой руки в исполнении гитарной музыки. За

27

пониманием этой роли кроется фундаментальное понимание красивой

музыки и исполнительского мастерства вообще.

Самая распространенная проблема начинающих гитаристов - это

характерное

отрывистое

звучание

нот.

Отрывистая

музыка

звучит

некрасиво, однако многие новички этого просто не слышат, потому – что

их сосредоточенность и внимание направлены только в попадания в ноты.

Для того, чтобы провести совместную работу левой и правой руки, я даю

самые простые одноголосные мелодии. Важно научиться не спешить, а

вдумчиво слушать каждый звук.

Часть пьес, которые я предлагаю ученику мы не разучиваем. Они идут

для однократного чтения с листа. Другая часть разучивается в целях

отработки навыков владения инструментом и развития музыкальной

памяти.

Следует обратить внимание на репертуар гитариста. Учебный

материал должен содержать упражнения, гаммы, этюды и пьесы. Этюды и

упражнения предназначены для отработки какого – то конкретного

технического

приема.

Пьесы

нужны

чтобы

сочетать

множество

технических приемов игры на гитаре между собой. Принцип подбора

репертуара получается следующим: один или несколько этюдов на

определенный прием, за ними пьеса, в которой свежий отработанный

прием сочетается с ранее изученными техниками. Пьесы должны

соответствовать уровню подготовки гитариста и носить разный характер.

Важно научиться применять технические приемы в разных сочетаниях

ритмах, стилях и темпах. Параллельное изучение произведения разного

характера способствует развитию у ребенка музыкальной памяти. Это

касается и банального запоминания нот, и общего погружения в

музыкальную фактуру.

Всегда приятно работать с тем учеником, который стремиться

улучшить свои достижения, когда учащийся заинтересован в своих

успехах. Но часто наступает такой момент, когда ребенок хочет бросить

музыку совсем. Это наблюдается в средних и старших классах.

Энтузиазма хватает ненадолго. Бег замедляется, потом переходит в

шаг, а потом и вовсе остановка. Все. Приехали. Дальше не бежится, не

хочется, не можется, не знается как. Первые трудности. Оказывается все не

так просто. Самые, казалось бы элементарные вещи даются огромными

усилиями. А то и вовсе не даются. Дни, недели, месяцы занятий не

приводят к результату. На этом этапе большинство сходит с дистанции.

Происходит своеобразный отсев. Одни уходят с выводом «я не способный,

я не талантлив, у меня руки кривые и пальцы короткие». Другим просто

надоедает топтаться на месте, ведь хочется играть как тот музыкант, а так

играть не получается почему-то. Третьи понимают, что соотношение

вложенного труда и результата их не устраивает. Четвертые просто

28

отвлекаются на что-то другое, временно конечно! (ведь сейчас такие

обстоятельства я ещё вернусь и продолжу), да так и «забывают».

В таких ситуациях нужно понимать, что это далеко не взрослый

человек, а ребенок. И зачастую его действия и желания не всегда

осознанные. Для начала преподавателю нужно понять, что с учащимся

происходит. Так как в младших классах преподаватель подстраивается под

его желания, сильно ребенка не перегружает. А в старших классах идет

серьезная и требовательная работа над произведениями. Плюс и сам

ученик взрослеет и меняется его окружающий мир, увеличивается

нагрузка и объем домашних заданий и в ДШИ, и в общеобразовательной

школе.

Приходиться

больше

времени

проводить

за

инструментом.

Усложняется репертуар. Это наваливается на ребенка большим грузом и

происходит неожиданная ситуация и груз кажется ему неподъемным.

Но этот период с учащимся бывает кратковременным. Мудро будет

с самого начала провести беседу с родителями. Что такое в поведении

ученика может быть. Эту заинтересованность преподавателя родители

оценят. Они не станут торопиться и идти на поводу у своего ребенка, а

спокойно примут его нежелание продолжать учебу, как кратковременную

усталость.

Ни в коем случае не надо игнорировать начинающую апатию. Нужно

привести ученику примеры других ребят, которыми он восхищается или

примеры других музыкантов. Объяснить, что многие прошли через такое

же. Подчеркнуть обязательно его моменты, которые получаются хорошо.

Нужно позволить ученику участвовать в подборе репертуара. Ведь ему

будет более увлекательно играть, то, что выбрал он.

Приходит осмысление. Вы перестали метаться из стороны в сторону.

Первоначальная горячка прошла. Перегорели, пере мечтали, устали, сели

— подумали. Вы многое поняли. Либо сами, либо кому-то из опытных

музыкантов удалось до вас достучаться.

Вы поняли, что бежать

бессмысленно. Путь долгий, извилистый, да к тому же в гору!

Кавалерийским наскоком эту вершину не взять, нужна другая тактика. До

вас наконец-то доходит смысл поговорки «тише едешь дальше будешь».

Именно на этом этапе собственно и начинается ваше настоящее

обучение. Именно здесь вы начинаете строительство своего будущего

мастерства с самого фундамента. Осознанно и методично. Конечно, место

для фундамента часто бывает завалено беспорядочной грудой обломков,

которые вы впопыхах накидали на первом этапе. У вас появляется четкая

система занятий. Вы точно знаете, что делаете и для чего. Вы уже умеете

играть медленно. И начинаете слышать себя. Слышать звуки и музыку,

которая у вас получается. Вы не ждете быстрых результатов и не ищите

коротких дорог. Вы уже смирились с тем, что обучение займет годы.

29

Вы начинаете получать удовольствие от своей игры. Вне зависимости

от сложности произведения и его темпа. Удовольствие от самого звука.

Появляются первые успехи. Вас уже слушают с удовольствием.

Самая главная характеристика этого этапа – ученик находится под

влиянием своего педагога. Пока ещё он в большей степени решает, что вам

играть и как. У ученика пока ещё нет своего видения, четкого осознания

своей роли в музыкальном мире, своего пути. Он просто осваиваете все,

что можно освоить. Отрабатывает приемы, изучает теорию, учится

исполнительским секретам, набирает музыкальный опыт. Это этап

строительства. Здесь закладывается база, и здесь начинается его путь

музыканта. Да, да! Только начинается. На первом этапе ему казалось, что

он тут заканчивается. Сейчас же он понимает, что конца и не видно, вы

только ступили на линию старта.

Окончание официального обучения – последний этап! Здесь

происходит становление музыканта как самостоятельной, творческой

личности. Теперь, когда ученика никто не заставляет заниматься, не

говорит что играть и как играть, у него появляется полная свобода выбора.

И тут уже честно нужно ответить самому себе на следующие вопросы.

Хочу ли я по-прежнему заниматься музыкой? Если да, то, в каком

качестве, исполнителя или педагога? Какую музыку он хочет играть, в

каком стиле? Ведь ученик уже может играть что угодно, и как угодно. А

может вообще не играть, если ему этого не хочется. На этом этапе

проходит, наверное, последний, самый важный отсев и сортировка по виду

музыкальной

деятельности.

Как

правило,

здесь

свежеиспеченные

музыканты делятся на 3 группы.

Первая группа – бросает музыку. Вторая группа – уходит преподавать.

Третья группа – свободные художники.

Это музыканты, которые работают

сами на себя, не имея над собой начальства, со свободным графиком и

полной свободой выбора вида музыкальной деятельности.

«Нельзя вырастить полноценного человека без воспитания в нём

чувства прекрасного», - это высказывание мудрого индийского поэта и

общественного деятеля Р. Тагора никогда не потеряет свою актуальность, а

в наши дни просто должно стать девизом всех детских учреждений,

которые связаны с воспитанием и обучением подрастающего поколения.

Современные школьники интересуются музыкой разной, исполнение

на гитаре тоже им интересно. Нужно чаще знакомиться с разной музыкой,

исполняемой на этом инструменте. Звук гитары, перенесенный через

многие столетия, продолжает привлекать внимание композиторов и

слушателей. Чем чаще звучит гитара, тем больше у нее поклонников.

Думаю, игра на гитаре будет интересна еще долгие годы.

30

Заключение.

Всему, что делает человек в наши дни, сопутствует музыка – она

сопровождает

нас

всю

жизнь.

Об

исключительных

возможностях

воздействия музыки на человека, на его чувства и душевное состояние

говорилось во все времена.

«Впечатления детства» – фундамент сознательной жизни. Некоторые

родители с ранних лет учат детей находить и чувствовать красоту в труде.

Правильно поступают в тех семьях, где малышам – дошкольникам

покупают музыкальные игрушки, разучивают с ними детские песни и

танцы, играют в музыкальные игры, читают стихи, занимаются лепкой,

рисуют и т. д.

Гитара, инструмент многоликий, и гитарное звучание весьма

разнообразно. Гитара получила огромную популярность во всем мире.

Классическая гитара обладает ярким, плотным, «круглым» звуком.

Профессиональное гитарное искусство обладает обширным

оригинальным репертуаром, включающим произведения различных эпох и

стилей. Формирование навыков игры на классической гитаре позволяет

учащимся

в

дальнейшем

самостоятельно

осваивать

различные

музыкальные инструменты, являющиеся «родственниками» классической

шестиструнной гитары, – электрогитару, банджо, различные старинные

струнные инструменты.

Большинство работ, посвященных гитарному искусству,

представляют собой в одних случаях описание интересных событий и

личных переживаний, не предполагающих научного анализа явлений, в

других

–

содержат

сконцентрированную

информацию

историко

–

биографического

характера

(события,

воспоминания,

письма,

биографические очерки).

Практическое значение данной работы заключается в том, что как

работающие, так и начинающие преподаватели по классу гитары могут

найти в ней полезную информацию и практические рекомендации для

применения их в своей профессиональной деятельности.

Многие считают освоение гитары непосильной задачей, на которую уходят

долгие годы. Отчасти это так, но только если вы хотите владеть

инструментом на профессиональном уровне.

Намного чаще люди хотят научиться играть на гитаре, чтобы

исполнять любимые песни в компании или просто для души. В этом случае

31

обучение не отнимет много сил и времени: за два-три месяца можно

запросто выучить основные аккорды и способы игры.

Не стоит опускать руки, даже если у вас уже был неудачный опыт.

Талант

—

это

лишь

десятая

часть

успеха.

Гораздо

важнее

целеустремлённость и регулярная практика.

Мастерство исполнения. Сыграть и спеть красиво - это 70%

мастерства. А кто- то скажет, что 50%. Без эмоций и харизмы многим

слушателям ваше исполнение не доставит удовольствия, какое бы они

могли получить, если бы вы затронули их чувства. В общем, нужно

развивать свои актерские способности, а может быть даже и характер в

целом. Если говорить о банальной практике, то здесь главная задача -

начать исполнять мелодии или песни на публике и делать это как можно

чаще. А харизма исполнения и свой стиль придет по мере опыта.

Обучение, которое требует от ученика активного преодоления

трудностей, вовсе не отрицает необходимости преодолевать с ним

последовательные ступени; слишком трудные задания могут привести к

неуверенности ученика в собственных силах, понизить его самооценку;

слишком легкие – скучны и малоинтересны; чуткий и внимательный

педагог должен найти так называемую «золотую середину».

Таким образом, воспитание начинающих музыкантов – процесс

объемный и многоплановый; включает в себя различные составляющие.

Формы работы на уроке должны часто меняться; обучение – затрагивать

каждый из вышеназванных аспектов. Педагог, работая с детьми младшего

школьного возраста, сталкивается в основном с непроизвольным видом

внимания. Поэтому преподносимый детям учебный материал должен

обладать

яркостью,

необычностью,

вызывать

большой

интерес

и

увлеченность, должен быть доходчивым и доступным по содержанию.

Подбор репертуара должен вестись в соответствии с техническими

задачами и с учетом возрастных особенностей учащегося, подчиняясь

принципу последовательности и постепенности усложнения материала.

Любите и изучайте великое искусство музыки. Оно откроет вам

целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно

богаче. Благодаря музыке вы найдете в себе новые неведомые вам прежде

силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках. (Д. Д. Шостакович)

32

Список используемой литературы:

1.

А. Иванов – Крамской. «Школа игры на классической гитаре».

Издание второе/ Ростов – на - Дону «Феникс» 2002.

2.

П.

Агафошин.

«Школа

игры

на

шестиструнной

гитаре».

Издательство «Музыка» Москва 1983.

3.

М. Каркасси. «Школа игры на шестиструнной гитаре». «Советский

композитор» Москва 1990.

4.

Вольман Г. «Гитара в России» изд. Ленинград 1961г.

5.

Яблоков М.С. «Классическая гитара в России» и СССР» Тюмень –

Екатеринбург 1992г.

6.

Ганеев

В.Р.

«Классическая

гитара

в

России»:

к

проблеме

академического статуса: Саратов. 2006.

7.

Михайлов М.К. «Стиль в музыке». Л.: Музыка, 1981.

8.

Н. Кирьянов «Искусство игры на классической гитаре». – М.:

Торопов, 2002год.

9.

А. Сеговия «Моя гитарная тетрадь» Москва «Музыка» 1995.

10.Ризоль Н. Очерки о работе в ансамбле, М.: Советский композитор,

1979.

33