Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«Детская музыкальная школа №49»

МЕТОДИЧЕСКОЕ СООБЩЕНИЕ

«Подготовка музыкального произведения к

концертному исполнению обучающимся в ДМШ»

Составила: преподаватель

высшей квалификационной категории

Ренц Светлана Владимировна

2024

1

Содержание

1. Введение……………………………………………………………………. 3

2. Индивидуальный подход к выбору музыкальных произведений ………. 4

3. Основные этапы работы над музыкальным произведением ……………..5

3.1.

Первый этап.

Знакомство с произведением (эпоха, стиль, анализ

тематического материала) …………………………………………………..6

3.2. Разбор пьесы ………………………………………………………………7

4. Второй этап. Углубленная работа над произведением……………………7

4.1. Детальный разбор и изучение музыкального материала ………………8

4.2. Работа над техническими трудностями ……………………………….8

4.3. Работа над аппликатурой ………………………………………………..9

4.4. Работа над метроритмом ………………………………………………10

4.5. Работа над штрихами, динамикой ……………………………………..11

4.6. Работа над мелодией …………………………………………………….11

4.7. Темповое единство пьесы. Распределение меха ………………………..12

4.8. Игра наизусть и пред концертный период ……………………………..12

5. Третий этап. Целостное оформление произведения ……………………...12

5.1. Подготовка к концертному выступлению ……………………………...15

Заключение ……………………………………………………………………17

Список методической литературы ………………………………………...18

2

Актуальность данной

темы обусловлена социальной потребностью в

выявление юных дарований, развитие

их творческих способностей в

музыкальной области и практических действий на пути к мастерству.

Концертная

деятельность

является

значимым

результатом

образовательного процесса и важной частью целостного развития каждого

ребенка. А также, развитие концертной деятельности в школе является

серьезной поддержкой для творчески одаренных детей.

1. Введение

Участие в концертах, конкурсах – важная составляющая обучения

юных музыкантов в ДМШ. Это особая форма музыкальной деятельности,

которая помогает более точно выявить музыкальные способности, динамику

развития ученика, в то же время пробуждает исполнительскую смелость и

волю, воспитывает так называемую эстрадную выдержку, творческое

воображение и эмоциональную отзывчивость, артистизм.

С первых лет обучения в школе дети должны привыкать делиться с

окружающими своим искусством, воспринимать концерт как музыкальный

праздник, которого ждут и к которому старательно готовятся. Если ученик

знает о том, что изучаемые произведения будут исполняться перед

слушателями, он работает более настойчиво и внимательно.

Данная работа обусловлена необходимостью понимания феномена

интерпретации музыкального произведения для преподавателей, которые

должны научить юных музыкантов исполнять музыку с содержанием,

сформировать свой метод определения сущности работы над музыкальным

произведением соответственно индивидуальности каждого обучающегося.

Музыкальное

исполнение,

это

творческий

процесс

воссоздания

музыкального произведения средствами исполнительского мастерства. В

отличие от пространственных искусств (живописи, скульптуры) музыка как

искусство

временное,

отражающее

действительность

в

звуковых

художественных

образах,

нуждается

в

процессе

воссоздания,

в

посредничестве исполнителя. Объективно существуя в виде нотной записи,

своё реальное звучание, а главное общественное бытие музыкальное

произведение обретает лишь в процессе исполнения, его художественной

интерпретации.

Вся работа музыканта над произведением должна быть направлена на

яркое, эмоционально наполненное и в то же время глубоко продуманное

концертное исполнение, завершающее работу над произведением, которое

3

всегда будет иметь важное значение для юного музыканта, а иногда может

оказаться и крупным достижением на определённой ступени его обучения.

2. Индивидуальный подход к выбору музыкальных произведений

В

воспитании

музыканта,

в

формировании

его

творческой

индивидуальности и в совершенствовании мастерства решающую роль

играет тот репертуар, над которым он работает в процессе обучения.

Личность музыканта складывается из взаимосвязанных развивающихся

компонентов: художественного вкуса, мышления, эмоционального строя,

технического мастерства. Чем шире круг музыкальных образов, чем

разнообразнее

стилистические

особенности,

язык

исполненных

произведений, и наконец, чем глубже они изучены, тем больше условий для

разностороннего развития будущего музыканта.

Репертуар

–

самый

важный,

стержневой

вопрос

творчества

исполнителя.

Умело

подобранный,

высокохудожественный

репертуар

обеспечивает творчески активную жизнь исполнителя, постоянно повышая

его исполнительское мастерство.

Подготовка

к

концертному

выступлению

начинается

с

выбора

программы. Составляя учебный репертуар ученика, преподаватель учитывает

требования программы, ближайшие, наиболее актуальные задачи развития

профессиональных качеств своего ученика, его пожелания. Желательно,

чтобы эти произведения нравились ученику, вызывали в нём желание

овладеть ими, чтобы на них ярко можно было проявить его лучшие личные

качества.

Степень

технической

и

художественной

сложности

этих

произведений не должна превышать исполнительские возможности ученика

на данном этапе его развития, но, в то же время, было бы полезно, чтобы на

выполнении этих произведений можно было продемонстрировать его

постепенный профессиональный рост.

В репертуаре каждого ребёнка обязательно должны быть не только

произведения учебного характера, которые, как бы не стремился к этому

преподаватель, могут быть не очень интересны ученику, но и произведения,

которые определяются как произведения концертного плана. Под этим

определением подразумеваются произведения яркие, эмоциональные, с

конкретным образным содержанием и удобные в плане исполнительства.

Каждый преподаватель ДМШ знает, как важно юному музыканту

выступать на сцене. Дети, как правило, любят выступать. И совершенно не

важно в данном случае – по какой программе обучается ребёнок и какова

степень его одарённости. Задача преподавателя – найти некий баланс между

своей профессиональной работой и запросами детей и их родителей.

Конечно, обучаясь в детской музыкальной школе, ученик в течении

года

неоднократно

имеет

возможность

выступить.

В

основном,

это

выступления на плановых зачётах, академических концертах и экзаменах.

4

Для

выступления

на

различных

контрольных

прослушиваниях

преподаватель выбирает каждому ученику программу, решая определённые

задачи.

Весь вопрос в том, что программа, выбранная для публичного

выступления, должна не только способствовать развитию определённых

исполнительских качеств, но и обладать

определёнными свойствами,

присущими

концертным

произведениям.

Под

этим

определением

подразумеваются

произведения

яркие,

эмоциональные,

с

конкретным

образным содержанием и удобные в плане исполнительства.

Задачи концертного репертуара

Публичное исполнение, это не место для закрепления какого-то ни

было материала или навыка. В данном случае преследуются другие цели, не

менее важные, а именно:

1. Показать свои лучшие профессиональные качества;

2. Повысить собственную самооценку:

3. Доставить удовольствие своим близким;

4. Почувствовать уверенность в себе;

5. Проявить свои артистические способности.

Концертный

репертуар

обязательно

должен

подбираться

таким

образом, чтобы ребёнок получал максимальное удовольствие от исполнения

данного произведения. С другой стороны, преподаватель должен учитывать

уровень

технической

оснащённости

ученика,

его

эмоциональность,

психологическую устойчивость и сценичность. В концертный репертуар есть

возможность

включать

те

произведения,

которые

ребёнок

наверняка

исполнит хорошо и главное - с желанием будет их разучивать и исполнять.

Опытный преподаватель в своём багаже имеет много произведений

концертного плана – свой «золотой» запас.

Любому ребёнку надо дать возможность выступить хотя бы 2-3 раза в

году вне школы. Например, в своей общеобразовательной школе, в шефских

концертах в детских дошкольных учреждениях, на предприятиях. Конечно,

никто не запрещает преподавателю попутно решать образовательные,

воспитательные и другие задачи. Если позволяет время и способности

ребёнка, то в концертный репертуар можно включать произведения

различных стилей, эпох.

3.

Основные этапы работы над произведением

Высшая цель музыканта-исполнителя – достоверное, убедительное

воплощение композиторского замысла, то есть создание художественного

образа музыкального произведения. Важную роль в процессе музыкального

образования и формирования будущего музыканта играет работа над

музыкальным произведением. Одно и то же произведение, в зависимости от

способностей ученика, требует нового взгляда, иного прочтения. И задача

преподавателя

заключается

в

том,

чтобы

превратить

работу

над

произведением в увлекательный, творческий процесс.

5

Прежде чем приступить к разучиванию музыкального произведения,

преподаватель должен определить, соответствует ли оно подготовленности

обучающегося к выполнению технических задач. Работа с непосильным

произведением может убить желание, с которым исполнитель приступил к

работе. А правильно выбранное произведение рождает веру в свои силы, в

успех, а это пробуждает ещё больший интерес к дальнейшим занятиям.

Основной работой над произведением является всестороннее его изучение,

стремление глубже проникнуть в его содержание.

В процессе творческого труда исполнитель не только оттачивает свою

технику, он совершенствуется в постижении художественного содержания

исполняемой музыки, глубже проникает в её сущность. Преподаватель

помогает ему найти такие исполнительские средства, которые позволят ему с

наибольшей полнотой и убедительностью донести её до слушателя. Но для

достижения такого высокого мастерства требуется неустанный творческий

труд.

В процессе работа над музыкальным произведением подвергается

анализу содержание, форма и другие особенности. На основании этого

анализа

с помощью техники, эмоций и сценической воли достигается

конечный результат и создаётся художественный образ.

Работу над произведением можно условно разбить на три основных

этапа. Эти этапы внутренне связаны один с другим. Определяя в общих

чертах сущность этих связанных между собой этапов, можно отметить, что

первый из них посвящен созданию общего представления о пьесе, о ее

основных художественных образах. Второй этап – это углубление в

сущность изучаемого произведения. На этом этапе происходят отбор и

овладение средствами выражения, необходимыми для реализации его

художественного

содержания.

Третий

этап,

подводящий

итог

всей

предшествующей

работы,

приносит

и

качественно

новое

начало:

произведение

получает

законченное

исполнительское

воплощение,

требующее

от

музыканта

единства

чувства

и

мысли,

мастерства

и

вдохновения. Процесс изучения музыкального произведения у каждого

исполнителя приобретает индивидуальные черты.

3.1. Первый этап. Знакомство с произведением (эпоха, стиль, анализ

тематического материала)

Начальный период работы над музыкальным произведением должен

быть связан с определением художественных задач и выявлением основных

трудностей на пути к достижению конечного художественного результата,

который завершается концертным выступлением.

Первый этап работы обучающегося над музыкальным произведением

характеризуется

общим

ознакомлением

с

сочинением.

Полезным

представляется ознакомление обучающегося с творческой биографией

6

композитора, с общим анализом его творчества, а также с исторической

эпохой создания произведения.

Решающее значение для всей последующей работы над произведением

имеет анализ тематического материала, определение его характера. Также

содержание произведения непрерывно связано с его формой. Поэтому

важное значение для постижения художественного образа приобретает

анализ

структуры

произведения,

способствующий

объективности

и

индивидуальному своеобразию исполнительской интерпретации.

В последствии все это будет способствовать всестороннему овладению

глубокого изучения того или иного художественного произведения.

3.2. Разбор текста

На этом этапе создаётся общее представление о произведении:

происходит знакомство с нотным материалом произведения, выявляются

основные аппликатурные, ритмические и технические трудности. В младших

классах обучающийся знакомится с новой пьесой, чаще всего, прослушав ее

в исполнении преподавателя или другого ученика. В старших классах – это

разбор и чтение нотного текста в классных условиях. Хорошо если есть

возможность

прослушать

запись

или

видеозапись

произведения

в

исполнении выдающегося музыканта.

Знакомство с текстом можно начинать со зрительного его охвата.

Просмотр текста без инструмента даёт возможность, путём устного анализа,

соразмерить технические сложности со своими возможностями.

Разбор текста с помощью инструмента помогает освоить технические

сложности,

выявить

приёмы,

способствующие

их

правильному

воспроизведению. Анализируя текст необходимо установить структурное

строение

произведения,

динамическую

направленность

к

главной

кульминации, понять, как строится произведение в деталях, и какое их

значение в раскрытии целого.

Начиная разбор и изучение произведения ученику необходимо сделать

его общий и детальный анализ: разобраться в форме, обратить внимание на

особенности изложения, мелодию, гармонию, штрихи, аппликатуру.

Первое проигрывание, естественно, всегда имеет приблизительный

характер: в нем могут быть упрощенные фактуры, пропуски деталей и другие

мелкие неточности. Однако, при этом желательно добиваться целостного

восприятия содержания музыки, стараться прочитать произведение по

возможности без остановок в сдержанном темпе.

4. Второй этап. Углубленная работа над произведением

Второй этап работы– это самый сложный и кропотливый труд.

Основной целью которого является дальнейшее углубление в образный строй

музыки, в содержание произведения. По времени это наиболее протяженный

7

период работы, совпадающий с техническим освоением музыкального

материала

.

На этом этапе целесообразно работать над произведением также

по частям. Чем лучше будут отработаны частные детали, тем легче в

последующем

сосредоточить

всё

внимание

ученика

на

создании

художественной

целостности

исполнения.

Деление

на

части

должно

производиться на основе анализа формы сочинения: надо установить

количество и границы частей, периодов, предложений, фраз, а также их

ритмоинтонационное

сходство

или

различие.

Следует

отрабатывать

отдельные фразы, объединяя их затем в предложения, периоды. Работая над

фразировкой, необходимо не только определить границы фразы, но и

артикуляцию фразы, звуковое соотношение фраз при объединении их в более

крупные построения. Выстраивая артикуляцию каждой фразы, важно

установить нахождение её кульминации, подход к ней и завершение фразы.

4.1. Детальный разбор и изучение музыкального материала

Ознакомившись

с

произведением,

музыкант

должен

составить

исполнительский план. Для этого необходимо сделать его общий и

детальный анализ: разобраться в форме, обратить внимание на особенности

изложения, мелодию, гармонию, штрихи, аппликатуру, проанализировать

структуру произведения, найти в нём части, периоды, предложения, фразы,

осмыслить взаимоотношения отдельных крупных и мелких построений, их

развитие. Затем определить главную кульминацию, которой должно быть

подчинено всё развитие произведения. В соответствии с этим и строится

исполнительский план. В нём должны быть учтены особенности жанра

произведения, его содержание, форма, характер исполнения, темп. Исходным

моментом для конкретизации объектов и характера работы на этом этапе

должно быть внимательное и тщательное усвоение авторского текста в

медленных темпах. Творческая фантазия не будет иметь под собой почвы,

если не опирается на объективные данные нотной записи. Проанализировав

структуру построения произведения и составив исполнительский план,

можно приступить к тщательному изучению нотного текста. Здесь надо

следить за характером звука, ритмом и фразировкой.

4.2. Работа над техническими трудностями

В период технического усвоения произведения главное задание

преподавателя и обучающегося - окончательно отобрать технические приёмы

для лучшего воплощения авторского замысла. Чтобы ученик не утратил

целостного представления о произведении, следует работу над деталями,

чередовать с проигрыванием больших отрывков и всего произведения. Над

наиболее трудными эпизодами музыкального произведения следует работать

отдельно. Разучивая то или иное сложное построение, исполнитель, должен

уяснить для себя, в чём заключается трудность этого построения, и найти

пути к ее преодолению. Необходимо выделить не только трудные места,

построения, пассажи, но и отдельные элементы этих построений. Для этого

потребуется медленное проигрывание, подготавливающее мышцы пальцев

8

левой руки и кисти правой руки к нужным движениям, или дополнительные

упражнения. Полезно поиграть трудное место различными вариантами–

ритмическими, динамическими, штриховыми способами и приёмами.

Большое значение имеет выбор и чередование между собой разных

темпов, в которых повторяются отрывки. Работая в медленном темпе, время

от времени нужно исполнять данный эпизод в настоящем темпе. Так

проверяются уже достигнутые результаты работы. Темп выученного отрывка

рекомендуется постепенно довести до “резервного” ускоренного, это

обеспечивает большую свободу исполнения в настоящем темпе. По мере

необходимости, можно снова вернуться к медленным темпам.

После завершения работы над отдельными местами встает задание

соединить их между собой. В работе над большими фразами возникает

необходимость приблизиться и к настоящему темпу и укрепить все

технические навыки в их взаимосвязи, что, естественно, расширяет и

художественные задания: выявляет основные кульминации, фразировку,

динамические и тембровые контрасты. Техническое освоение произведения,

выявление его художественного содержания и выучивание его на память

происходит почти одновременно. Главную роль в запоминании играет

моторно - слуховая память.

Бывает, что, увлекаясь выполнением технической задачи, исполнитель

иногда забывает про художественную сторону произведения. Поэтому,

работая

над

отдельными

небольшими

построениями,

следует

иногда

объединять их, проигрывать целиком всю пьесу или отдельную часть

крупного произведения. Важно время от времени восстанавливать в памяти

общее развитие произведения и взаимосвязь отдельных его построений.

Только в этом случае у исполнителя будет сохраняться чувство целого, так

как, играя подолгу отдельные места пьесы, он теряет нить развития

художественного образа в произведении.

4.3. Работа над аппликатурой

Аппликатура занимает одно из центральных мест в работе над

произведением. Выбор удобных для исполнения пальцев тесно связан с

фразировкой,

штриховым

разнообразием

и

фактурой

музыкального

материала. Хорошая аппликатура во многом способствует успешному

исполнению выбранной пьесы и позволяет сэкономить немало времени и

найти более короткий путь к достижению цели.

Вместе

с

тем,

не

следует

ждать,

пока

разбираемый

отрывок

произведения будет хорошо подготовлен, а проиграть его в настоящем

быстром темпе, в котором предполагается исполнение пьесы, проверить

насколько оптимальна аппликатура. Так как темп оказывает большое

влияние на координацию рук и пальцев. Бывает так, что в медленном темпе

аппликатура удобная, а в настоящем (быстром) штрихи и аппликатура могут

оказаться в некоторых случаях слишком трудными.

9

Аппликатура, как и другие технические приёмы, зависит не только от

удобного и целесообразного распределения пальцев при игре, но и от

характера и стиля произведения.

Преподаватель должен видеть при игре по рукам, правильно или нет

исполняет ученик аппликатуру. Она должна быть обязательно выставлена в

нотах. Это позволит вносить поправки, обозначать некоторые рекомендации.

4.4. Работа над метроритмом

Исключительную роль в творческом процессе музыканта играет ритм.

Он является одним из важнейших в силу того, что музыка, это звуковой

процесс, разворачивающийся во времени. Также он рассматривается как

один из основных элементов музыкального языка, так как ритм – это

закономерное

чередование

музыкальных

звуков,

одно

из

основных

выразительных и формообразующих средств музыки. При работе над

музыкальным произведением нельзя механически привносить ритмические

неровности исполнения. Ритм входит в число выразительных средств,

находящихся в некоторой степени под воздействием исполнителя, в отличие

от гармонии, мелодии, фактуры. Ритмическая нечёткость исполнения

приводит к неправильному, искажённому пониманию мотива, фразы и

произведения в целом. Ритм придает индивидуальные черты теме.

Как

мелодия,

гармония

и

другие

средства

музыкальной

выразительности, ритм находится в прямой зависимости от эмоционального

содержания произведения. Поэтому, при работе над произведением часто

возникает необходимость рассмотрения и других факторов этого временного

процесса - метрической управляемости ритмических группировок, темпа

произведения, а также отдельных его частей и разделов, логики темповых

отклонений,

вызванных

определёнными

художественными

задачами.

Основой работы над метроритмом служит точное прочтение записанных в

нотах временных соотношений звуков. Эта задача представляет для

обучающихся нередко значительные трудности.

Одну из труднейших задач, стоящих перед учеником, представляет

умение выдержать темп на протяжении всего произведения и добиться

единого ритмического пульса.

Правильный

темп

должен

органично

вытекать

из

характера

исполняемой

музыки.

Нужно

направить

усилия

ученика,

вскрыть

характерные

черты

музыки,

чтобы

“правильный”

в

стилистическом

отношении темп стал внутренней потребностью ученика. Этого можно

достичь путем всё более широкого охвата учеником круга произведений

определенного стиля. Если же этого оказывается недостаточно, можно

предложить ученику мысленно проиграть (пропеть) несколько тактов

произведения чтобы, начав исполнение, он был уже в нужной ритмической

сфере. Не всегда обязательно пропевать пьесу с начала, целесообразно спеть

те

такты,

которые

наиболее

ярко

передают

ритмический

импульс

10

произведения. Слушая внутренним слухом, ученик может определить верный

темп, как он его мыслит. И это внутреннее слышание должно быть отправной

точкой в его работе за инструментом. К сожалению, обучающиеся часто

пренебрегают такой работой, предпочитая ей бесконечные проигрывания,

оставаясь в плену своих исполнительских возможностей. А ведь ясное

представление о цели может стать значительным стимулом для развития этих

возможностей.

В

педагогической

практике

часто

встречаются

случаи,

когда

обучающийся не может выдержать единый темп на протяжении всей пьесы

и, не замечая того, недопустимо ускоряет или замедляет движение. К

примеру, изменение ритмического движения, появление более долгих

длительностей влечет за собой замедление темпа, и наоборот, более мелкие

длительности вызывают непроизвольное ускорение. Динамический подъём

перед

кульминацией

также

часто

влечет

ускорение

темпа.

Для

предотвращения этого следует приучить самого ученика контролировать

темп. Надо объяснить ему, где чаще всего возникают непреднамеренные

изменения темпа, и какие построения поэтому следует

держать под

контролем.

4.5. Работа над штрихами, динамикой

Штрихи прямо или косвенно зависят от стиля произведения.

Это

характерные

формы

звуков,

получаемые

соответствующими

артикуляционными приёмами в зависимости от интонационно-смыслового

содержания музыкального произведения.

Следует подчеркнуть особо, что

штрихи должны отражать характер музыки, которая бывает торжественной,

лирической, скорбной, повествовательной, шутливой и т. д. Для каждой из

этих образных сфер нужны соответствующие характерные звуковые формы,

передающие процесс развития музыкальной мысли.

Музыка – искусство звука. Звук способен пленять, раздражать,

ласкать, призывать и т.д. Умение извлекать необходимый звук для

убедительного воплощения на инструменте музыкальных образов и есть

один из признаков исполнительского мастерства.

В

контексте

каждого

произведения

существует

определенная

градация силы звука. Сущность нюансов, динамический уровень будет

зависеть от стиля, жанра, характера конкретного произведения. Музыкант

должен слышать относительность нюансов, а также обязан знать все

тонкости своего инструмента и уметь пользоваться динамикой на любом

нюансе, начиная с pp до ff. Важно знать, что звук любого инструмента имеет

свою эстетику, выходить за его пределы – значит искажать физическую

природу звука.

4.6. Работа над мелодией

Приступая

к

изучению

нового

произведения,

обучающийся

и

преподаватель должны тщательно проанализировать строение мелодии, а

11

также гармонию, фактуру, форму с целью выбора и применения технических

приёмов, соответствующих внутренней сути музыки, причем одноголосная

мелодия должна рассматриваться как многогранный музыкальный элемент.

Важно прежде всего уяснить развитие мелодии, ее членение на построения

(мотив, фраза, предложение, период), определить относительную важность

этих построений. Поэтому, на данном этапе особое значение приобретает

работа над фразировкой музыкального произведения.

4.7.Темповое единство пьесы. Распределение меха

В первую очередь при соединении частей в целое необходимо добиться

темпового единства пьесы. В этом неоценимую помощь может оказать

метроном, который «научит» играть произведение ритмично в медленном

темпе. От медленного темпа, допустимого в начале ее изучения, надо

постепенно переходить к игре в темпе, указанном автором. Следует иметь в

виду, что очень медленный темп не дает возможности ощутить целое, понять

сквозное развитие, форму произведения.

Уже в конце второго этапа нужно расставить предварительную смену

движения меха. При невозможности сыграть фразу на одно движение меха

нужно делить ее пополам, менять движения меха перед сильной долей

сильного такта. Незаметная для слуха смена направлений движения меха -

непременное

условие

грамотной

игры

на

баяне

или

аккордеоне.

Окончательную корректировку движений меха следует проводить после

того, как ученик добьётся исполнения пьесы в её настоящем темпе, с

необходимой динамикой.

При смене меха можно выделить 3 этапа:

- начальный

- рабочий (корректировочный)

- заключительный.

4.8. Игра наизусть и пред концертный период

На этапе, когда ученик достиг целостного и достаточно выразительного

исполнения пьесы с хорошо проработанными деталями и элементами

музыкальной ткани, необходимо переходить к игре произведения наизусть.

Для более быстрого понимания темповых соотношений, динамического

плана, формы, во время исполнения на ученика можно воздействовать

мимикой и дирижёрским жестом. Однако нужно помнить, что даже на этапе

игры произведения наизусть необходимо периодически возвращаться как к

медленному темпу, так и работе по нотам. В пред концертный период

следует добиваться от ученика уверенного безостановочного исполнения. Не

следует прерывать его игру, чтобы сделать какие-либо замечания. Только

после исполнения пьесы целиком можно сделать нужные указания, отметить

сильные и слабые стороны игры.

5. Третий этап. Целостное оформление произведения

12

Третий этап работы над произведением синтезирует всё, что сделано

ранее: устанавливается смысловое отношение фраз внутри предложений,

предложений – внутри периодов – внутри более крупных построений;

выявляется главная кульминация, а отсюда – определяется единая линия

развития музыкального материала. Подводится итог всей предыдущей работе

и на первое место выступает творческое задание - умение исполнить пьесу

как органическое художественное целое, где все детали подчинены чёткому

исполнительскому замыслу. Одним из важнейших условий осмысленного

исполнения

здесь

является

понимание

обучающимся

логических

закономерностей музыкальной речи вообще и внутренней логики отдельного

сочинения, так как каждое произведение представляет собой законченную

логическую систему с присущими только ей оригинальными логическими

связями. Поэтому, намеченный ранее план целостного исполнения здесь

проверяется, дополняется, фиксируется и окончательно реализуется, а все

средства выразительности уравновешиваются с точки зрения целого.

Воспитание у ученика способности слышать, охватить всё произведение в

целом и умение исполнить его на эстраде - важная задача на заключительном

этапе работы.

Восприятие

музыкального

произведения

всегда

связано

с

прослушиванием его в целом. В этом может помочь возвращение на ранние

этапы работы, такие как повторное прослушивание аудио, видеозаписи. Это

позволяет сравнить свою интерпретацию с трактовкой знаменитых баянистов

или аккордеонистов, обогатить опыт эстетического восприятия.

Пройдя предыдущие стадии работы над произведением, ученик

постепенно

достигает

самостоятельности,

овладевает

навыками

самовыражения. Двигаясь сначала по пути подражания, он начинает вносить

в исполнение своё отношение, что позволяет развивать у ученика чувство

меры и прививает художественный вкус. Исполнительская яркость является

признаком несомненной артистической одарённости. Она свойственна не

каждому ученику, но развивая это качество, преподаватель может добиться

определенных результатов. Яркость передачи музыкального образа тесно

связана

с

эмоциональной

стороной

исполнения.

Зачастую,

выучив

произведение, ученик не может исполнить его с внутренней свободой,

раскрыть образное содержание. Большое значение имеет выбор концертного

репертуара, где особенно важно жанровое, фактурное разнообразие, яркая

образность - всё это способствует увлеченности данной музыкой и самим

процессом исполнения. Для этого нужно работать над всем произведением,

либо над его крупными разделами, объединяя их затем в законченное целое.

Одной из важных предпосылок целостности исполнения является ощущение

общей линии развития произведения. Подобно тому, как мелодия в какой –

либо фразе идёт к опорному звуку, а большое построение – к своей

смысловой вершине, целенаправленно и развитие всего произведения.

Ученик должен это знать и чувствовать. Ни одно сочинение нельзя сыграть с

должной

выразительностью

и

осмысленностью,

если

не

ощущать

13

объединённым в одно целое его развертывание во времени; общая линия

развития является как бы «стержнем» этого развертывания.

На заключительном этапе ученик должен не только представлять

исполнительский план произведения в целом, его линию развития, но и

знать, какие выразительные детали в том или ином разделе являются

главными, на чем должно быть заострено внимание. В этот период вся

предварительная работа должна оформляться в законченное целое. Нужно

также уточнить темп исполнения. Темп исполнения может быть единым для

всех исполнителей; однако общее представление о темпе данного сочинения

все же остается более или менее устойчивым. Определению темпа

способствуют авторские указания, понимание характера произведения, его

стиля. В каждом отдельном случае следует совместно с учеником найти

темп,

позволяющий

ему

удобно

чувствовать

себя

при

исполнении

произведения.

Также

надо

напоминать

ученику,

что

медленное

проигрывание с соблюдением всех частностей исполнительского замысла

позволяет с предельной яркостью осуществлять свои намерения и делает их

для него самого особенно ясными: потом ученик и сам убедится в этом.

Следует подчеркнуть, что подобное проигрывание требует максимума

внимания.

Достижение

необходимой

выразительности,

нужного

темпа

исполнения далеко не всегда позволяет считать произведение выученным.

Как принято говорить, ученик должен еще хорошо в него «выграться»: для

этого подготовленное произведение следует больше играть целиком и в

требуемом темпе.

Врождённая

исполнительская

яркость

-

признак

несомненной

артистической одарённости. Она свойственна не каждому ученику, но в её

развитии педагог может добиваться положительных результатов. Развивать

это качество невозможно, если ученик не испытывает глубокого интереса к

музыке

вообще

и

к

изучаемому

произведению

в

частности.

«Исполнительская яркость» включает непременное умение воспринимать и

передавать

с

не

меньшей

внутренней

наполненностью

лиричность,

задушевность, философскую углубленность. Иными словами, содержание

понятия

«яркость

исполнения»

включает

самый

широкий

диапазон

характеров, настроений, глубиной восприятия выразительности, красоты

исполняемого произведения.

С приближением окончания работы над произведением ученик

должен свободно чувствовать себя в этой музыке и, соответственно, её

исполнять.

Здесь

имеется

в

виду,

то

состояние

раскрепощённости,

творческой свободы, особого сближения с миром образов, которое является

необходимым условием для полноценного исполнения обучающегося. Ни

исполнительская свобода и яркость, ни какие – либо другие исполнительские

качества не смогут развиваться в полной мере, если ученик будет мало

выступать на эстраде. Разумеется, любое произведение должно быть вообще

хорошо выучено и исполнено, но именно публичное выступление как бы

14

подводит итог всей проделанной в классе работы, обязывая ученика и

преподавателя к возможно более высокому её качеству, требуя особой

законченности и рельефности выявления замысла, призывая максимально

использовать свои исполнительские возможности. Нужно учитывать и

индивидуальные склонности ученика, обязательно выпуская его на эстраду и

с любимым произведением, это и стимул для работы, и творческая радость, и

лучшая форма обучения публичным выступлениям, обычно в таких случаях

чаще приносящим с собой удачу.

Исполнение

всего

произведения

желательно

или

в

начале

ежедневного занятия как исходный момент для дальнейшей шлифовки в

связи с целым, или в конце занятия как итог сделанного. После “сквозного”

проигрывания

пьесы

анализируются

и

критикуются

все

недостатки

исполнения. В классе это делает преподаватель, а дома - сам ученик. Важно

осознать и самокритично отнестись ко всем техническим неточностям,

дефектам звуковедения и ритма, провалам памяти и др. Поэтому нельзя

забывать, что работа над дальнейшим раскрытием содержания произведения,

над лучшей реализацией авторского замысла не снимает целесообразности

работы над деталями. Фактически должно происходить тесное переплетение

второго и третьего этапов работы над произведением. На этом этапе всё

больше возрастает роль мысленного проигрывания; что помогает глубже

осознать содержание произведения и, в связи с этим, собственные

недостатки.

Особенно

важно

закрепить

запоминание

“ненадежных”

отрывков. Их нужно проигрывать в замедленном темпе, тогда тормозится

автоматизм и на первый план выступает деятельность внутреннего слуха.

Убедившись, что медленная игра не разрушает ровности исполнения, можно

быть более уверенным в надежности фиксации ее в памяти. Пробные

проигрывания всей пьесы со временем переходят в систематические

репетиции с полной мобилизацией творческих сил. Между репетициями

прорабатывается всё то, что вызывало хотя бы тень неудовлетворенности,

сомнения или неуверенности, и еще раз продумывается художественная

сторона исполнения. По мере “вызревания” необходимо чаще прорабатывать

большие фрагменты (а иногда и целые части) в нужных (желаемых) темпах,

что делает труд более увлекательным и продуктивным. Иногда приходится

наблюдать,

что

ученик,

технически

хорошо

овладев

музыкальным

материалом, не может ещё сыграть произведение осознанно и убедительно. В

этих условиях бывает полезно отложить его исполнение на некоторое время,

дать ей “отстояться”, и психологически переключить внимание ученика на

другой “объект” - пьесу. Возвратившись после перерыва, к первой пьесе

ученик лучше воспринимает и лучше реализует содержание первой пьесы, а

техническая сторона исполнения восстанавливается довольно быстро

5.1. Подготовка к концертному выступлению

Работа над произведением на третьем этапе имеет цель достижения

эстрадной готовности исполнения. При завершающем освоении пьесы уже не

15

должно быть мысли о технических трудностях, а во время игры не

ощущается утомление или напряжение, все движения становятся удобными и

абсолютно управляемыми. Исполнительская свобода не сможет раскрыться в

полной мере, если ученик не имеет достаточного опыта публичных

выступлений. Эстрадное выступление подводит итог всей проделанной

работы. Очень важно, чтобы исполняемое произведение стало для ученика

любимым, приносило творческое вдохновение юному музыканту. Яркое,

эмоциональное исполнение всегда будет иметь большое значение, а иногда

может оказаться крупным достижением для ученика и для преподавателя.

Уметь настраивать ученика перед концертным выступлением, вселять

уверенность в своих силах, а после выступления отметить положительные

результаты, проявляя при этом корректность в выражении критики — вот

проявление

профессионализма

преподавателя.

Роль

преподавателя

в

процессе работы над музыкальным произведением огромна. Участие его

должно быть активным и творческим на всех этапах работы. Вывод данной

главы заключается в том, что на заключительном этапе ученик должен не

только представлять исполнительский план произведения в целом, его линию

развития, но и знать, какие выразительные детали в том или ином разделе

являются главными, на чём должно быть заострено внимание. В этот период

вся предварительная работа должна оформляться в законченное целое. С

приближением окончания работы над произведением ученик должен

свободно чувствовать себя в этой музыке и, соответственно, ее исполнять.

Здесь имеется в виду, то состояние раскрепощённости, творческой свободы,

особого сближения с миром образов, которое является необходимым

условием для полноценного исполнения обучающегося

16

Заключение

Работа музыканта-исполнителя над художественным произведением

требует единства чувства и мысли. Огромное значение имеет сознательное

отношение исполнителя к своему труду. Рационально построенная работа

над

художественным

произведением

при

ясности

цели

и

путей

её

достижения ускоряет процесс изучения музыкального сочинения и позволяет

с меньшей затратой сил достичь желаемого результата. Ясно осознанная

художественная цель во многом обусловливает успешность процесса работы

обучающегося

над

музыкальным

произведением.

Глубина

чувств

и

переживаний, богатство эмоциональных красок, так же как осмысленность и

логичность,

всегда

отличают

игру

выдающихся

артистов.

Логика

музыкальной

фразы,

убедительность

интерпретации,

основанная

на

подлинном единстве, эмоционального и рационального начал, - таковы

качества

высокого

исполнительского

искусства.

Работая

над

художественным произведением, музыкант-исполнитель (как, впрочем, и

чтец, и актер) постоянно углубляет понимание его содержания, раскрывает в

нём все новые черты, новые краски и оттенки. Исполнение постепенно

становится совершенней, убедительней. Вместе с постепенным познаванием

произведения,

с

проникновением

вглубь

его

содержания

подлинный

музыкант увлекается его образами; интерпретация их становится все

содержательней, естественней. Познанное исполнителем готово стать,

предметом познания для слушателей, которые тем более способны будут

воспринять данную музыку, чем глубже она познана, то есть прочувствована

и

осмыслена

исполнителем.

Вся

работа

преподавателя

и

ученика,

исполнителя- музыканта над произведением направлена на то, чтобы оно

звучало

в

концертном

исполнении.

Удачное,

яркое,

эмоционально

наполненное

и

в

то

же

время

глубоко

продуманное

исполнение,

завершающее работу над произведением, всегда будет иметь важное

значение как для ученика, так и для исполнителя, а иногда может оказаться

крупным достижением, своего рода творческой вехой на определенной

ступени творческого развития. В заключении хотелось бы сказать, что

преподаватели, ежедневно играющие на своем инструменте, «прощупавшие»

фактуру произведения своими пальцами, проверившие на своем личном

опыте всё вышесказанное, добьются более высоких результатов в работе с

учениками.

17

Список методической литературы

1.

Акимов Ю.Т., Кузовлев В. О проблеме сценического самочувствия

исполнителя-баяниста // Баян и баянисты вып.4 – М.: Советский композитор,

1978;

2. Акимов Ю. Некоторые проблемы теории исполнительства на баяне. – М.:

Сов. композитор, 1980;

3. Алексеев И. Методика преподавания игры на баяне. – М., 1985;

4. Анисимов В. П. Диагностика музыкальных способностей детей. – М., 2004;

5. Баренбойм Л. Музыкальная педагогика и исполнительство. – Спб., 2000;

6. Браудо И. Артикуляция. – Л.: Музыка, 1973;

7. Баян и баянисты: Сборник методических материалов. Редакция Ю.

Акимова. – М., 1990;

8. Гинзбург Л. О работе над музыкальным произведением. – М.: Музыка,

1981;

9. Говорушко П. Работа баяниста над музыкальным произведением. // Баян и

баянисты: Сб. ст. / Сост. и общ. ред. Ю. Акимова. – М.: Сов. композитор,

1970. Вып. 1.;

10. Говорушко П. Основы игры на баяне. – М., 1995;

11. Гольденвейзер А. О музыкальном исполнительстве. – М.: Музгиз, 1975;

12. Завьялов В. Вопросы педагогики: Методическое пособие. – М., 1998;

13. Ихманицкий М. Новое об артикуляции и штрихах на баяне. – М.: РАМ

им. Гнесиных, 1997;

14.

Кирнарская Д. К. Музыкальные способности. Таланты – XXI век, 2004;

15.

Колесов

Л.

Содержание

и

форма

работы

над

музыкальным

произведением. // Баян и баянисты: Сб. ст. // Сост. и общ. ред. Ю. Акимова. –

М.: Сов. композитор, 1978. Вып. 4.;

16. Либерман Е. Творческая работа пианиста с авторским текстом. – М.:

Музыка, 1988;

17. Липс Ф. Искусство игры на баяне. – М.: Музыка, 1985.

18

19